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Una lección de arte por César Garrido

Cesar Garrido collage

Caos en la humanidad , de César Garrido Limones/ Arte digital

Titulo de la obra: Caos en la humanidad

Autor: César Garrido Limones, 2020

Técnica: Arte digital

Corrigiendo en casa  durante este confinamiento  la  tareas de mi alumnado del Bachillerato de Artes del IEDA, me ha sorprendido el meritorio  y elaborado trabajo de mi alumno de Dibujo Artístico  César Garrido Limones, de Alcalá de Guadaira (Sevilla) por lo que en agradecimiento le dedico esta entrada en nuestra Despensa .
Aquí están sus distintos trabajos en su porfolio de Pinterest para mi asignatura:
https://www.pinterest.es/cesarglarte/

Dicho trabajo forma parte del proyecto colaborativo fin de trimestre   “Exposición Colectiva Virtual” que se ha volcado en esta expo virtual 3D en People Art Gallery junto a trabajos de sus compañeros/as y algunos  de otros  cursos: IEDA Art Gallery

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Volviendo a la obra de César , es un collage digital  con el título “Caos de la Humanidad”  que él explica y resume así de bien en su memoria del trabajo, en una transcripción literal  e íntegra de su texto,  donde es posible  apreciar no solo su sorprendente conocimiento de la Historia del Arte sino también y especialmente, su enorme esfuerzo y compromiso artístico y social en su tarea:

Me he decidido a hacer un collage usando diferentes obras de arte de artistas conocidos como Klimt, Picasso, Munch, Rembrandt, entre otros, para hacer una representación de los desastres en el mundo: el hambre (El viejo judío,1903), la falta de sensatez (La creación de Adán,1511), la avaricia y falta de humanidad (Isabel de Francia,1621), el daño a la naturaleza, el daño a los animales (El mercado de las aves,XVII), la pérdida de tiempo (Transitory,2013), la doble moral de algunos religiosos, etc…

Escogí un fondo que mostrara un paisaje destruido o apocalíptico y usando el programa Photoshop fui añadiendo las obras de arte, fusionándolas con el fondo con ayuda de la herramienta “borrador”. Empezando desde el lado derecho podemos observar parte de un campo en llamas, algo que estos últimos años hemos podido ver y sufrir en muchos lugares del mundo.

Al fondo vemos lo que parece ser un templo que yo he interpretado como una iglesia o catedral, justo en ese lado he puesto a “Isabel de Francia”, una obra del español Rodrigo de Villandrando, y un poco más a la izquierda vemos “Seis amigos” del artista Edgar Degas, alrededor de estas obras he puesto unos billetes, pues estos personajes representan a aquellas personas de alta cuna o con un nivel alto que pueden permitirse el lujo de estar por encima de muchas cosas o situaciones de la vida que la mayoría tiene que sufrir, observamos como son los únicos personajes del collage que poseen mascarillas, ahora que estamos con el tema del coronavirus quise marcar esta diferencia aunque no sea literalmente así en muchos casos.

Un poco más arriba he puesto una imagen de la obra “Cristo crucificado” de Diego Velázquez, representandoel poder de la iglesia, el valor que le damos a una imagen, una escultura, olvidándonos a veces de que la fe también incluye los principios, el respeto y otros valores vitales, con esto no quiero decir que no sea compatible la religión o adoración hacia una imagen con ser buena persona, pero como digo, en este collage he querido plasmar aquellos casos que bajo mi punto de vista hace daño a la humanidad y a nuestro medio de vida. Un poco más hacia la izquierda encontramos “El grito” de Edvard Munch, representando el horror de la madre tierra al observar como destruimos todo a nuestro paso.

Justo delante de esta última obra, he puesto “El mercado de las aves” de Frans Snyder, representando el daño que el ser humano ha causado (y sigue causando) hacia tantas especies animales llegando incluso a la extinción de algunas de ellas, mediante incendios, tala de árboles, productos químicos, caza… Si volvemos a la esquina derecha pero un poco más al frente, observamos “El viejo guitarrista” de Picasso, esta obra en el collage representa la pobreza, la situación deprimente que viven muchas personas de diferentes edades, ancianos incluidos, viéndose obligados a mendigar y vivir en la calle, y a pesar de ello tratan de ganarse la vida. Justo al frente del collage vemos “El año del hambre en Madrid” de José Aparicio, representando nuevamente el hambre, la pobreza, la decadencia de aquellos que no tienen medios o no los suficientes. Justo detrás, al fondo, encontramos “Transitory” de RochFautch, y me encantó esta obra que no conocía, porque representa muy bien algo que quería también introducir en este collage, y es el tiempo, el poco valor que a veces le damos al tiempo, lo poco que lo aprovechamos, como se desvanece en nuestras manos a veces sin darnos ni cuenta… justo al lado del reloj de arena hay como una especie de animal con aspecto de cerebro que yo entiendo como que debemos usar un poco la cabeza para aprovechar mejor este preciado tiempo que tenemos.

Arriba de esta última obra, en el cielo, vemos la famosa pintura de Leonardo Da Vinci, “La creación de Adán”, esta obra representa a ese ser superior que está dando vida, inteligencia, sensibilidad, etc, al hombre, puse esta obra aquí para recordar que Dios o ese ser superior nos dio capacidades para empatizar y razonar, esto es algo que a veces brilla por su ausencia en las personas. Más abajo en pequeñito vemos “Madre con bebé” de Picasso, y con esta obra he querido por un lado, representar la soledad y al mismo tiempo por lado representar el amor, no quiero que todo en este collage sea tragedia y desolación. Detrás de la obra de Picasso, a la izquierda, vemos la obra de Dalí, “La persistencia de la memoria”. Esta obra me ha servido para recalcar nuevamente la importancia del tiempo, el desvanecimiento de este. En la esquina frontal izquierda observamos otra obra del periodo azul de Picasso llamada “Viejo ciego y niño”, esta obra la he incluido para representa nuevamente la hambruna y el sacrificio que hace una persona adulta por ceder el poquito alimento que tiene a un niño, por lo tanto, también vemos una representación del amor, la solidaridad y la generosidad. La siguiente obra de arte incluida es la de “Thunderbolt” de Roy Lichtenstein, se encuentra justo encima de la anterior obra y representa el caos, la respuesta de la naturaleza al daño que el hombre ha causado a esta mediante tormentas, tornados, terremotos, tsunamis, etc.

La penúltima obra con la que he contado es “San Miguel” de Rafael, con esta obra he querido añadir algo de positivismo a este collage, pues esta obra literalmente representa al Arcángel San Miguel derrotando a Satanás, lo cuál significa una victoria del bien sobre el mal, y eso es lo que he querido aportar para compensar un poco tanto drama, aunque a continuación encontramos la última obra, que está bajo la obra de Da Vinci, se trata de “El beso” de Klimt, otra de esas representaciones que nos da un aporte de felicidad, de luz, de esperanza, nunca mejor representado con esta obra donde vemos a una pareja dándose un beso, rodeados por un tono dorado super iluminado, el amor puede con todo. Al finalizar con la fusión de capas, las uní en una sola y exporté el archivo en formato JPG.

Mi valoración de este ejercicio

El proceso de elaboración de esta tarea ha sido fácil pero entretenido, no quería hacer un collage tan básico, quería representar algo que realmente a mi personalmente me transmitiera algo profundo, algo importante, y al final simplemente fui buscando obras y cada una me fue dando una idea para colocar en el collage, evidentemente todo relacionado entre si, en este caso con las catástrofes humanas y también con ese rayito de luz, de esperanza y amor que nos lleva a resurgir de todo lo negativo. Me ha llevado como una semanita encontrar las obras concretas, lógicamente dedicándole un rato cada día, no las 24 horas, pero no me ha resultado complicado, ni tedioso, he disfrutado con ello y he quedado muy satisfecho con el resultado, pensé que tal vez estaría como demasiado recargado pero miro el collage y creo que queda bien, no me transmite estrés o tensión por la cantidad de detalles.

Hasta aquí  la transcripción  integra de su texto…

Este trabajo es de mediados de marzo por lo que también se ha colado en su mural, inevitablemente ,  la pandemia del #coronavirus poniendo mascarillas a algunos personajes del cuadro.

De paso, con estos trabajos de mi alumnado  sigo apoyando la  necesidad de la educación artística  #EducacionNosinArtes   #SalgamosadelanteConArte

 

 

 

Enlace

Loving Vincent

Tras cerca de tres  años de intenso  trabajo ( y 10 años desde que comenzó a gestarse  el proyecto)   y otro  más de espera a que llegase a los cines en España,  ya  se ha estrenado en las salas comerciales   “Loving Vincent” ,   una sorprendente  película de animación sobre el pintor Vincent Van Gogh  que  como dicen en su promo, es  “la primera película de la historia pintada al  Óleo” Ayer un servidor fue  a verla  y salí encantado de disfrutar de un placer así,  a pesar de las tristes circusntancias que todo el mundo ya asocia al trágico final de  Van Gogh.

La pintora polaca Dorota Kobiela es la directora artística de esta  película. Kobiela se inspiró en las cartas que Vincent van Gogh enviaba a familiares y amigos . Para escribir el guión , los responsables del proyecto se basaron en unas 800 cartas escritas por el pintor, una garn mayoría  a su hermano Theo.  El filme dura  94 minutos que son un deleite para la vista por la hermosa factura de las imágenes y la sensibilidad para tratar la historia.

Lo novedoso e interesante de esta animación, como comenta  uno de los artífices de la película en el vídeo anterior,   es que se trata de un filme en el que cada fotograma es  una pintura al óleo, concretamente  ¡¡ 65.ooo cuadros !! . Los personajes  retratados en  las obras del pintor neerlandés son los protagonistas “picturizados al óleo ” a partir de actores y actrices reales.  Unas 120 pinturas, entre ellas muchas de sus más emblemáticas pinturas,  del artista son igualmente  utilizadas comno escenarios   a lo largo del  filme.

Dice uno de los productores que  necesitaron  más de 100  pintores expertos conocedores del arte de Van Gogh  para realizar todos lo cuadros de  la película y que   para realizar su trabajo,  los pintores se basaron en obras proyectadas sobre las que pintaban las reproducciones que posteriormentes se fotografiaban. “ De cada doce fotogramas obtenemos un segundo de película”, explica Piotr Dominiak, otro de los responsables del proyecto. En este  interesante making of  se muestra  el inmenso trabajo  y planificación que hay detrás de esta maravilla de película.

Por todo,  es  una película digna de ver en una sala de cine  no solo en lo visual y en lo estético de su factura pictórica sino en la propia historia, contada con respecto hacia la persona de Vincent  y dejando aún  más interrogantes sobre  las circunstancias de su muerte.   Y hay que verla además, por amor al arte y nunca mejor dicho,   porque hay que fomentar  que este tipo  de cine experimental y arriesgado siga teniendo su público y así  su  oportunidad de realizarse y exhibirse.

Vayan, pues, a verla al cine …

 

Cameos de obras de arte que se cuelan en el reparto

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Copias de Van Gogh decoran la casa de Will Smith en  el film  “Soy leyenda”

“Si ves un cuadro en una película de Kubrick o Tarantino, nunca será por casualidad”

Así comienza este interesante artículo  La pintura en el cine  del portal Yorukobu, que recomendamos e invitamos a leer desde esta Despensa,  porque  nos hace una curiosa selección de películas donde aparecen obras de arte como parte  de la escenografía o ambientación del film y no nos referimos, claro está, a  las películas que tratan precisamente sobre las biografías o vidas  de conocidos artistas donde la  aparición de obras de arte  está  justificada por el guion evidentemente.  En este otro artículo Obras de arte con un papel destacado en el cine  hablan precisamente de algunas de estas obras  que son “protagonistas principales” de las películas.

Como mismamente se comenta en el artículo “hay, por supuesto, más pinturas en el cine y cine que imita a la pintura. La relación entre ambas nace con el cine primitivo”.

Pero lo verdaderamente curioso de esta selección es que estas obras tal vez no están ahí por azar, sino que hay una justificación detrás y es curioso encontrar estas relaciones argumentales entre cine y pintura.
Valga como anticipo este vídeo Frames Within Frames de Candice Drouet donde nos repasa algunos ejemplos significativos en nuestra filmografía reciente.

La selección de Drouet, sigo citando el mencionado artículo ,  da dos impresiones. Una básica: los cuadros reflejan épocas, ambientes (laborales, domésticos, públicos) y el nivel socioeconómico de los personajes. Forma parte del atrezzo, d ela decoración.

En la segunda impresión, más profunda, las pinturas revelan cómo son los personajes y sugieren estados de ánimo al público.

En todo caso,  seguramente hay muchísimas más  películas donde hacen  sus “cameos” conocidas obras de arte  (pinturas, esculturas, fotografías, etc.)  y que sería interesante rescatar a lo largo de toda la historia del cine .¿Recordáis algunas especialmente ? Cien ojos ven más que dos.   Aporto  una para abrir boca …

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‘Crepúsculo en Venecia’ de Claude Monet en  El secreto de Thomas Crown (1999)

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[agenda] Historietas del arte

artecomicImagen vía rtve.es

EXPOSICIÓN  ‘ARTE EN EL CÓMIC’

Dónde:  Espacio Fundación Telefónica. C/Fuencarral, 3  (Madrid)

Cuando:  Del 17 de febrero al 15 de mayo

RESEÑA: Más de cincuenta historietistas e ilustradores contemporáneos muestran su pasión por la historia de la pintura a través de viñetas que recrean e interactúan con la obra de grandes maestros de la pintura universal en ‘El arte en el cómic’, muestra que acoge el Espacio Fundación Telefónica (Madrid). Además de la versión de estos autores, la exposición muestra obras derivadas de iniciativas de museos en torno al cómic y de encargos de Fundación Telefónica de reinterpretar parte de su colección artística en viñetas. La muestra reúne a figuras nacionales como Miguel Ángel Martín,  Paco Roca y  Mamen Moreu, e internacionales, como Milo Manara y Arthur Suydam (reseña  vía canal de  Youtube de  HOY ES ARTE) .

La muestra recoge trabajos de maestros del cómic europeo como Milo Manara, Enki Bilal, Catherine Meurisse, David Prudhomme, Bernard Yslaire, Marc-Antoine Mathieu. También incluye obra de un nutrido grupo de artistas nacionales como Santiago García, Javier Olivares, Ana Galvañ, Mamen Moreu, Miguel Gallardo, Sergio Bleda, Paco Roca, Rubén Pellejero, Juan Díaz Canales, Enrique Ventura, Joan Boix, Fidel Martínez, Brais Rodríguez o Malagón, entre otros muchos. Junto a todos ellos, también hay autores americanos como Juan Giménez, Arthur Suydam, Jorge Zentner y Patricio Clarey.

Las relaciones  entre el cómic y el arte  han sido muy fructíferas,  como múltiples referencias,  influencias y tributos,  tanto en una  dirección como en la otra. Esto lo dejaremos para futuras entradas de esta despensa. Si pueden, disfruten de esta exposición en Madrid.

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“Las mendigas”  una recreación de “las Meninas”- vía ABC-Cultura

Más info en:

Haciendo audioguías para un museo

Fotografía de iedaprofesores  en Flickr bajo CC

Reabrimos esta  despensa tras el  breve parón navideño con otra de las experiencias de trabajos de aula  que recogimos tiempo atrás  a través de  la propuesta lúdica de un  peculiar  “Viaje underground”   a través de la arte .  En dicho “viaje”  una de las  paradas    se refería a la actividad propuesta como tarea individual   “Mis audio-guías didácticas para un museo”  a nuestro alumnado de Dibujo Artístico I durante el tercer trimestre en relación a la unida didáctica Ver, comprender y disfrutar el arte”.

En dicha tarea enfrentábamos al alumnado al reto de elaborar  dos audio-guías  sobre obras de arte  como encargo para un imaginario  museo:  una destinada para  un público adulto y otra  y para un público  más infantil . Decir que, efectivamente,   era un gran reto someter al alumnado al “suplicio” de grabar  y modular su propia voz , por lo que a veces  reconocieron  que  no se sintieron a gusto al principio con esta tarea,  aunque finalmente disfrutaron con su realización y aprendieron muchísimo de las obras  elegidas y de las muchas formas de disfrutar del arte. Lo que sigue es una selección de tres tareas con  dichas audio-guías y las  respectivas valoraciones personales  de esta experiencia por sus autores/as.

Audioguías de Manuel Pérez Durán:

“El Nacimiento de Venus”  de Sandro Boticelli (audio-guía para adultos)

           Audioguia El Nacimiento de Venus. Boticelli on Vimeo.

“Las Señoritas de Avignon” de Pablo Picasso  (audio-guía para niños) https://vimeo.com/66024648

Audioguía Las Señoritas de Avignon. Picasso  on Vimeo.

Para realizar esta tarea, he elegido la opción del vídeo, como podrás ver, he realizado un montaje donde la imagen va relacionada con la locución, realzando las partes del cuadro cuando el audio habla sobre esa parte. Como podrás ver, el audio es bastante malo, en un descuido, mientras preparaba todo para hacer la grabación, mi hija de 2 añitos cogió el micro y lo dejó caer al suelo. Me ha encantado esta tarea, he descubierto cosas de estas obras de arte de las que no tenía ni idea. Lo que más me ha llamado la atención es que el modelo en el que se inspiró Botticelli para pintar la Venus, fuera familia política de Americo Vespucio.

Audio-guías de Bea Maldonado

“La habitación de Arlés” de Vincent Van Gogh (audio-guía para niños)

“La masía” de Joan Miró (audio-guía para adultos)

Me ha gustado mucho realizar esta tarea, me ha parecido muy interesante buscar información sobre un cuadro y hacer un análisis, me parece una profesión muy bonita la de los guías de los museos. Quizás lo que me ha resultado difícil ha sido resumir y tener que dejar cosas en el tintero ya que encontraba muchos detalles interesantes, sobre todo me ha gustado mucho el “alma” de Van Gogh en La habitación de Arlés.  Me ha resultado fácil utilizarla grabadora (aunque tiene una calidad pésima) y el movie maker que ya lo había utilizado antes con el cortometraje,  lo engorroso del movie maker es que no se pueden insertar dos sonidos, pero he guardado y he añadido después el siguiente sonido. He quedado bastante satisfecha con el resultado y he disfrutado mucho con la tarea.

Audio-guías de Eduardo

“La Balsa de la Medusa” de T. Gericault (audio-guía para adultos)

He elegido “La balsa de medusa” dirigida al público adulto, aunque en realidad creo que ambas tienen el mismo nivel de lenguaje, he tratado de evitar algún que otro tecnicismo.

“La habitación de Arlés” de Vincent Van Gogh (audio-guía para niños)

La otra que he elegido ha sido “La habitación de Arlés”, ya que nunca había indagado en esa obra que siempre había mirado receloso, ahora me gusta más que cuando la veía “a ciegas”.

He dedicado bastante tiempo a la tarea, he estado toda la tarde “cociéndola” y teniendo alguna que otra dificultad con las grabaciones (que mi madre canta, que mi padre grita, que la perra ladra, que la moto suena… exasperante). En general estoy bastante contento con la tarea, quitando que tal vez no se aprecie el cambio de público en las audioguías.

Creo que esto de documentarse sobre las obras es algo que debería hacer con más frecuencia, no solo para conocer el artista y la obra, sino para conocer muchos recursos en común con otros artistas, y saber encontrar similitudes técnicas.

Documentales de la BBC sobre grandes artistas

Gracias a Internet podemos tener acceso a testimonios audiovisuales  de indudable valor artístico y documental como son las series que la prestigiosa cadena  británica BBC  dedicó a las vidas y obras de los  grandes artistas.  Traemos aquí ArtHistoryLuv un canal de Youtube especialmente interesante por la gran cantidad de material documental producido por la BBC a través de series como “Private Life of a Masterpiece”, “The Power of Art” o “Modern Masters” .  Eso sí, evidentemente en inglés.  Mostramos uno de ellos dedicado a la figura de Munch  y más abajo, una selección de otros tantos documentales  monográficos sobre artistas .

Selección de documentales (en inglés):

La óptica, el conocimiento secreto de los artistas

En esta escena de la película “La joven de la perla” inspirada a su vez en la novela homónima de Tracy  Chevalier sobre el gran maestro flamenco Vermeer de Delft,  podemos ver cómo la sorprendida e incrédula sirvienta  (sí, interpretada por la inconfundible Scarlett Johansson) del pintor holandés mira una imagen  a través de un artilugio  que acaban de traer  a casa del pintor,  artilugio y efecto óptico totalmente desconocido y desconcertante para ella , como para gran parte de la gente de su época. La suerte de Vermeer fue tener como amigo a  un reconocido óptico holandés  que le construyó dicho artilugio para sus fines artísticos.

Ilustración de una cámara oscura para retratistas . Siglo XVIII

Ese artilugio se llama cámara oscura y no es ningún secreto,  por lo documentado del asunto,   que lo utilizara el mismo Vermeer o Canaletto en sus espectaculares vistas de Venecia,  como normalmente se cita como hecho consumado en los libros  y manuales de historia del arte,  sino que también  otros muchos artistas -que antes permanecían ajenos al tema-   parece ser que hicieron cierto uso de algunos artilugios ópticos como la cámara oscura o la cámara lúcida.

Canaletto: Basílica de los santos Giovanni e Paolo, en Venecia. Bocetos obtenidos mediante una cámara oscura | vía Wikipedia

De hecho, el fenómeno de la cámara oscura se conocía desde la Antigüedad,  siendo frecuentemente reproducido  en multitud de ilustraciones, grabados y tratados de óptica, como la muestra de más abajo donde se observa un dibujante trazando sobre la proyección de la pared unas marcas. Parece ser que este “secreto” pasó de  los Países Bajos a los artistas italianos de la mano de los viajes  de algunos artistas flamencos a Italia y luego posteriormente a España, Inglaterra y resto de Europa.  Existió una concatenación en el uso de la cámara, dada por la transmisión de pintor a pintor, de maestro a discípulo y de generación en generación. Era el “conocimiento secreto” de los artistas.

Grabado en sección sobre una cámara oscura

En efecto, muchos grandes e indiscutibles genios de la historia del arte como Leonardo da Vinci, Vermeer, Van Eyck,  Velázquez, Caravaggio  o más próximos en el tiempo como el mismísimo  pintor neoclásico  David,   utilizaban en mayor o menor medida  trucos ópticos para “fotografiar” escenas de la realidad.  Mismamente ,  en el inventario  de obras de la biblioteca de Velázquez no son pocos los tratados de Óptica  y amplios compendios sobre el uso de lentes y espejos, aparte de  la información  que se trajo de sus viajes a en Italia.   A este “conocimiento secreto”  se unieron igualmente un buen número de pintores tenebristas  de la escuela de Caravaggio o  especialistas del bodegón,   como el español  Luís Meléndez en cuyas naturaleza muertas naturalistas  podemos observar siempre un recurrente y denso  fondo negro a modo de pantalla  sobre el que emergen como iluminadas por un potente foco las  figuras representadas.

De otro modo, hubiera sido imposible un naturalismo y un uso de la luz y la perspectiva  tan perfecto. Esto,  evidentemente no quita mérito ni consideración  a estos grandes artistas,  sino más bien  todo lo contrario , en el sentido que supieron encontrar en la ciencia de la óptica  un gran y poderoso aliado, pues finalmente es la mano y el pincel diestro  del artista quien re-interpreta y da forma plástica a  meros y fugaces efectos físicos de luces y sombras.

Una de las muchas  imágenes de taller  reproducidas en “EL conocimiento secreto” de David  Hockney

Ver imagen más ampliada

Fue precisamente un pintor moderno como David Hockney quien tiempo atrás levantó ampollas en el mundo del arte con la publicación en 2001 de su documentada investigación sobre este asunto en su  trabajo  “El conocimiento secreto”. Gran parte de lo que allí expone y documenta , aparece  reflejado en el siguiente y exhaustivo documental de la BBC  sobre las largas y laboriosas  investigaciones llevadas a cabo por el pintor británico. Es bastante largo,  pero vale la pena  verlo  si de verdad te apasiona el mundo del arte o resulta prohibitivo  adquirir dicho libro,  ciertamente caro por lo profusamente ilustrado y voluminoso del ejemplar,  pero una joya  de arte que rentabiliza con creces su desembolso.

La evolución del realismo en la representación artística ha ido parejo a la propia evolución de la ciencia, especialmente en el perfeccionamiento  de  las lentes y la Óptica,  que en el transcurso del siglo XV  experimentó enormes progresos gracias a otras ciencias como la Astronomía (los telescopios) o  en el campo de la Medicina y la Biología , los microscopios.

Con  la invención  a mediados del siglo XIX  de la fotografía (una feliz confluencia de los avances  de la Óptica, la Física  y la Química),  la representación  artística sufre otra gran vuelta de tuerca y precisamente, en sentido contrario:  una huida del realismo y la imagen retiniana hacia otros modos de ver  y representar la realidad que desembocarían en el Cubismo, la Abstracción y otros movimientos artísticos de las vanguardias de principios del siglo XX,  pero ésta es ya otra historia …

Si sigues con curiosidad sobre este apasionante tema,  tampoco puedes perderte este interesante  especial de REDES , “Las reglas ocultas del arte”