Andalucía, vista por los alumnos

Cartel de Alejandro para Sevilla  (curso 2011/12)

Desde esta despensa queremos aportar nuestro granito de arena a la conmemoración  del Día de Andalucía a través de Promocionado mi tierra con GIMP,   una tarea  que hemos propuesto  en varias ocasiones  a nuestro alumnado de Dibujo Artístico bajo distintos nombres y que consistía básicamente en realizar carteles turísticos promocionales  de cada una de las  provincias  andaluzas mediante la silueta de un autorretrato  propio con un fondo alusivo a su patrimonio natural,  artístico o cultural de su localidad  o provincia natal.  La herramienta propuesta para tal fin fue el  editor  GIMP,   de la que hablaremos con más detalle  próximamente en esta misma despensa. Hemos recopilado algunos trabajos en este tablero de Pinterest y a continuación dejamos una muestra de los carteles realizados.

Cartel de Mario Paisal (Provincia de Huelva)

Cartel  curso 2013/14 (Sevilla)

Cartel de Irene para Córdoba  ( curso 2013/14)

Cartel  de Susana para Málaga  ( curso 2013/14)

Cartel de Patricia para Almería (curso 2011/12)

Cartel de Vicente para Almería (curso 2011/12)

Cita

Conocer el arte con los doodles de Google

Doodle dedicado a la artista Niki de Saint Phalle (30/10/2014)

Desde esta Despensa entendemos que cualquier excusa o iniciativa es buena para promocionar y disfrutar el arte e incluso como inspiración para proponer tareas creativas  o proyectos de arte que motiven a nuestro alumnado.  Los doodles de Google son una de ellas. Por eso le dedicamos este post ,  en especial a los que este  famoso portal de búsquedas  ha dedicado a  artistas plásticos conocidos y  no tan conocidos ,  aunque también veremos otros sobre la música,  la ilustración  o el cómic.

Los doodles se conocen como los cambios decorativos que se realizan en el logotipo de Google  para conmemorar eventos, efemérides,  festividades y aniversarios de  las vidas de científicos,  escritores y de artistas famosos. Van generalmente acompañados de vínculos a  la información que tiene disponible Google en su archivo de datos y  siempre podremos ver de una forma más o menos reconocible las letras  o colores del ya universal   logo original.

Doodle dedicado al 150 Aniversario de Alejandro Volta, inventor de la pila

A lo largo de los años, los doodles  que “decoran” la página principal de Google han convertido las búsquedas en Google  en una actividad divertida y amena para los usuarios de todo el mundo. La primera vez que se crearon los doodles, nadie esperaba lo populares y esenciales que se convertirían para la experiencia de búsqueda en Google.  Hoy en día,   muchos usuarios esperan con entusiasmo la publicación de nuevos doodles y algunos incluso los coleccionan:   hay  muchas páginas en internet que los recopilan como ésta de Pinterest .  En no pocas ocasiones sorprenden por su originalidad y arte.  Todos los ya miles de  doodles creados hasta la fecha se pueden  visitar  en la página Doodles de Google.

Catálogo de doodles de Google

El primer doodle publicado por Google fue Burning Man, el 30 de agosto de 1998 y pasaron casi 2 años hasta que apareció (14 de julio del 2000)  el 2º doodle para celebrar el Día de la Toma de la Bastilla, de ahí en adelante han aparecido con regularidad estos logotipos alternativos, que van desde los diseños más sencillos, otros de gran contenido artístico, y otros tantos animados o interactivos que invitan a la participación de millones de usuarios de Google.

Doodle dedicado a la naturalista e ilustradora Maria Sibylla Merian

El caso es que  el equipo de los doodles siempre encuentra una forma artística de conmemorar eventos únicos, ya se trate del inicio de la primavera,  del aniversario del nacimiento de Albert Einstein, el  del 50º aniversario del descubrimiento del ADN  o el  doodle publicado el 8 de abril de 2012 que rinde un homenaje al famoso experimento “El caballo en movimiento” que Eadward J. Muybridge realizó  entre 1872 y 1878 para intentar averiguar si durante la carrera había algún momento en el que el caballo no tocase el suelo con ninguno de sus cascos. Elegantemente,  las  letras del famoso logo de  Google están sugeridas en  los colores de las pantallas.

Algunos son verdaderas maravillas interactivas que entusiasman a miles de usuarios/as,   como el doodle dedicado al  96 aniversario del nacimiento del músico de jazz estadounidense Les Paul, creador de la mítica guitarra eléctrica Gibson Les Paul,    donde , aparte de poder tocar las cuerdas del instrumento con el ratón,  te permitía grabar tu  pieza musical  y enviarla a Google.   Clica en la imagen para disfrutar del doodle original .

Doodle dedicado al músico Les Paul  9/6/2011

A lo largo del tiempo, la demanda de doodles ha aumentado considerablemente. Actualmente, se encarga de la creación de los doodles un equipo de ingeniosos diseñadores de la factoría Google.  Para este equipo, la creación de doodles se ha convertido en un esfuerzo conjunto para darle vida a la página principal de Google y divertir a los miles de usuarios de Google de todo el mundo.  Pero también abren la posibilidad a que los usuarios  hagan sus propuestas de doodles enviándolas  a la dirección de correo electrónico proposals@google.com.

Así que  esta idea muy posiblemente la extendamos a algunas de nuestras  tareas  tanto de Dibujo Artístico como Diseño o Cultura Audiovisual y quien sabe, a lo mejor algunas de las propuestas algún día vean la luz  en todo el mundo en forma de doodle . En  esta ocasión  y para abrir boca,  vamos a reseñar  solo algunos doodles, que como dijimos,  tienen alguna relación con nuestras materias del bachillerato de Artes, especialmente de pintores.  Bajo cada uno pondremos enlaces webs  a  distintos medios que se hicieron eco de cada uno de ellos en su día.

Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky, por su 148 aniversario 16/12/2014 | en la web

Jackson Pollock

Por el nacimiento de Jackosn Pollock | 28/01/2009 en la página principal de Google México | en la web

Rembrandt

407 aniversario  de Rembrandt Doodle del día 15/07/2013 | en la web

Juan Gris

En tributo a Juan Gris, doodle del día 23/03/2012 | en la web

René Magritte

Este doodle en realidad creo que no existió. Hay artistas e ilustradores que se inspiran  en los doodles  de Google , como Yulia Katkova que nos deja  en Flickr su particular  propuesta de  tributo al genial pintor surrealista René Magritte.

Pero éste  sí que fue doodle …

Google Doodle Rene Magritte Day from Ben Kyungjun Kim on Vimeo.

Hay  muchos más pero vamos a dejarlos para  este divertido test,  donde puedes  jugar a identificar al/la  artista a través del  doodle que en su día Google le dedicó. ¿Te animas?

Clica  en la imagen para acceder a la actividad

Técnicas artísticas: material pedagógico del Museo Macay

Visitas guiadas para escuelas en el Museo Macay | Fotografía vía http://www.macay.org/

El Museo Fernando García Ponce,  también conocido  como Museo Macay es el único museo dedicado a la promoción y difusión del arte moderno y contemporáneo en toda la península de  Yucatán,  México.  Y si algo lo distingue y por lo que aquí en nuestra Despensa   nos interesa especialmente,  es su profunda vocación educativa,  atendiendo al año a más de 22 mil niños, a través de programas especiales, cursos, talleres y   visitas guiadas completadas con actividades y guías didácticas tanto para padres  como para el profesorado.

Todo un ejemplo a seguir por nuestros pequeños museos patrios o de provincias,  más dados en la mayoría de ocasiones  a  exposiciones  rimbombantes para cumplir el expediente cultural   pero vacías de verdadero sentido pedagógico con el que acercar el arte a un amplio sector de la población y en especial,  a las escuelas,  las familias  y  a los más pequeños.

Talleres artísticos del Museo Macay. Fotografía: http://www.macay.org/p/13/talleres-y-cursos

El Museo Fernando García Ponce-Macay cuenta con una Fundación Cultural  que tiene como  misión promover la difusión y el conocimiento del arte moderno y contemporáneo nacional e internacional. Por ello, cada tres meses, se renuevan sus 15 salas de exposición temporal al mismo tiempo, realizando alrededor de 45 muestras anuales, con un movimiento de obra de cerca de 2 mil piezas cada vez.

La Fundación Cultural  del Museo Macay  promociona también iniciativas culturales tan interesantes como   la Escuela Itinerante de Arte Xiimbalarte, que visita los 105 municipios del interior del estado alejados de las grandes ciudades y de los museos importantes,  atendiendo a 22 mil niños al año realizando talleres de arte, cine y literatura,  además de  dar atención educativa de manera continua a 15 mil niños.

Cuenta además con  presencia en las redes sociales (twitter y Facebook) ,   un blog (http://www.macay.org/),  un programa de radio  y  tvmacay  un canal de vídeos en Youtube,   de donde hemos seleccionado  de su  Glosario   esta serie de  breves  vídeos (de poco más de  minuto y medio ) divulgativos para el gran público  sobre algunas de las técnicas artísticas  más  empleadas en el arte pictórico :  acuarela,  empasto,  ensamblaje,  action painting ,  gouache, etc.

Assemblage o Ensamblaje Artístico

Action Painting

Acuarela

Alla Prima

Gouache

Impasto

Postales viajeras en el tiempo

¿Qué pasaría si   juntáramos a dos artistas  de épocas distintas y distantes en el tiempo y  les propusiéramos   el reto de hacerse un mutuo homenaje re-interpretándose  el uno al otro,  cada cual según su propio y reconocible estilo? En verdad,  esto no es nada nuevo:    homenajes y tributos  se han hecho siempre entre artistas,   como la serie de Las Meninas realizada por  Picasso o  los  cientos,  miles  de  versiones  ( y perversiones de todo tipo)  que se hacen  de  los grandes iconos del arte  universal como la Gioconda  o El Hombre de Vitrubio.

Ese mirar atrás y aprender sanamente y sin complejos  de otros  maestros a través de sinceros  homenajes o “tributos”  siempre ha sido y es  una buena práctica en el aprendizaje  artístico. Las obras más importantes son aquellas que con el paso del tiempo siguen generando nuevas lecturas.  Artistas como  Dalí estaban obsesionados con ciertas obras  como el Ángelus de  Millet,  de la que hizo muchas versiones  o el  Equipo Crónica   apropiándose de forma iconoclasta  y contemporánea   de  conocidas obras de arte,  como en esta pieza  donde podemos ver  mezclados a Velázquez con iconos del  pop   Warhol o Roy Lichtenstein.

Equipo Crónica

Pero ¿qué pasaría  si se mirase,  como metidos en una máquina del tiempo,   hacia el futuro?  ¿Si los artistas del pasado pudieran hacer obras al estilo de otros artistas  o en otros contextos que, evidentemente,  nunca llegaron a conocer?  ¿Qué pasaría, por ejemplo,   si Leonardo  trabajase como asesor artístico  para  George Lucas en su saga de la Guerra de las Galaxias ? Pues a lo mejor , cosas como ésta

Personaje de George Lucas según Leonardo

Ver de otra manera,  hacer posible  lo  inverosímil  a través de  viajes artísticos  en el tiempo para juntar a parejas peculiares,  es decir,   que un pintor de una  época anterior  imagine o interprete su  propia obra en manos de un artista moderno.   Por ejemplo,  si se le pidiera a Van Gogh  interpretar a la Gioconda  de  Leonado Da Vinci, aunque nunca se dio el caso  sería  lógico cronológicamente y fácilmente ejecutable con un poco de imaginación  y retoque digital…

Mona-Lisa-Starry-Night-400_thumb[2]

Pero  ¿Y si se le pidiera a  Velázquez  pintar una conocida  obra suya  en versión monocromática  con  el famoso azul fluorescente creado y  patentado por  el artista conceptual francés  Ives Klein?   Esto último no es cronológicamente lógico pero  sí podemos imaginarlo   porque es precisamente   lo que  ha hecho Eduardo  en su  tarea como postal-tributo. Fácil técnicamente de ejecutar,  pero  difícil de concebir como idea o como posibilidad real . Toda una declaración de arte conceptual,  por otra parte. Y de eso se trata…

“Maja Klein”    |  Postal de  Eduardo (2014/15)

¿Qué pasaría si nuestro original y creativo trabajo fuese, además,  el encargo de un conocido museo que   para  su décimo aniversario  quiere lanzar  una colección de tarjetas postales de tributos artísticos para vender en la Tienda de Souvenirs de dicho museo?

Pues ése era  el inusual  reto de la tarea propuesta al alumnado de  Dibujo Artístico  llamada “Postales con  Arte”  de la que vamos a mostrar algunos de los trabajos presentados  durante el pasado curso y el presente,  sorprendiendo algunos  por lo arriesgado y calidad de sus propuestas, así  como  la evidencia del buen  y creativo manejo de programas de edición gráfica como GIMP recomendado como recurso para esta tarea .

Por ejemplo ¿Que pasaría si una buena mañana  el gran pintor veneciano  Tintoretto  quisiese hacerse  un  retrato al estilo atormentado, nada y nada menos que de Francis Bacon?  Pues eso mismo se  preguntó  Rubén Jiménez  y ésta   fue su  respuesta en forma de postal

Autorretrato de Tintoretto al estilo Bacon | Rubén Jiménez  (2013/14)

¿ Que pasaría si otra mañana el gran maestro de Renacimiento  Leonardo Da Vinci  tomara como modelo al  “Muchacho desesperado” del maestro francés  del realismo  Courbet?  Pues  seguramente algo muy parecido a lo que,  con tanta precisión  documental y dibujística ,  imaginó y recreó para su postal Alejandro Simón.

Courbet según Leonado Da Vinci | Alejandro Simón Ávila (2013/14)

¿O si  un Boticcelli  teletransportado  al siglo XX se hubiese pasado por la factoría de Andy Warhol a realizar una serígrafía  de  un detalle de una de sus más conocidas obras como “El nacimiento de Venus”  al más puro estilo Pop Art ?  Esto ya es más fácil de adivinar,  pero muy  bien resuelto gráficamente con GIMP  en este pulcro trabajo de “apropiación” estilística de Clara María.

Warhol segú Botticelli | postal de Clara María Villalba (2013/14)

O esta sorprendente y moderna  propuesta de Esther,   donde un enigmático y escurridizo artista callejero  que firma como  Banksy Velázquez   podría haber dejado este satírico  graffitti  en protesta por una supuesta corrupción papal  del Vaticano  en el muro de una de las calles de la Roma de  Inocencio X .

Banksy en tiempos de Inocencio X  | postal de Esther ( 2012-13)

¿O qué pasaría  si la  cándida “ joven de la perla”  de Vermeer se diese un paseo por los atormentados paisajes nórdicos de Edvard Munch?  Tamara  lo imaginó así

Munch según Vermeer | de Tamara Lara (2012/13)

 Más trabajos en Pinterest:   Postales de tributos artísticos

La parte gráfica de esta tarea  se completaba con una ficha de trabajo incluida en las instrucciones de la tarea   que cada alumno debía descargarse y completar documentalmente  con una breve reseña de los artistas seleccionados para su postal  y sus técnicas ,  así como una valoración personal  del aprendizaje realizado porque nos interesa especialmente este aspecto de indagación documental y reflexiva,  no solo el producto final.   Por ejemplo, este extracto  de la memoria de Rubén Jiménez  sobre su postal de Tintoretto según Bacon mostrada más arriba :

Razona o fundamenta tu elección  de los dos artistas que has utilizado para tu postal. Haz una breve descripción de la técnica y estilo de cada uno, época, circunstancias, etc.:

 He buscado la semejanza entre los dos artistas en los diferentes contextos históricos y culturales en que vivieron, y para ello, he elegido de entre sus obras dos autorretratos que ambos artistas realizaron en su madurez.

Francis Bacon, es un artista atípico que le ha tocado vivir en el siglo XX, una época en que el arte rompe con todo convencionalismo conocido. Él usa un estilo figurativo idiosincrásico y también experimenta con el cubismo y el surrealismo. Me he basado en una obra en particular, porque creo que un mismo artista experimenta diferentes estilos y técnicas a lo largo de su vida y sería erróneo limitarlo a uno. Su personalísimo estilo lo ha alzado a ser uno de los artistas más importante y cotizados del siglo XX.

 Por su parte, Tintoretto fue uno de los últimos grandes pintores de la escuela veneciana y su técnica particular con la que lograba dar gran luminosidad a sus obras, fue fuente de inspiración para el posterior movimiento artístico: El Barroco.

Haz una descripción detallada del proceso de elaboración que has seguido: dónde te has documentado,  técnicas gráficas, aplicaciones utilizadas, soportes, materiales empleados, etc.

  Aunque había otras opciones y se ofrecía otros programas para su elaboración, yo elegí Gimp2, porque ya tengo experiencia con el mismo, pero a su vez, es tan amplio que aún me queda por descubrir. En esta ocasión no quería usar filtros u otras funciones automáticas ya que, a pesar de que ofrecen resultados muy buenos para casi todo tipo de usos, quería experimentar y trabajar con los pinceles y otras opciones que ofrece el programa.

         Primero experimenté un poco con los diferentes tipos de pinceles y las opciones que ofrecen. Tras conseguir diferenciar unos de otros, abrí las dos obras en diferentes capas. Para obtener resultados similares, recogí color del autorretrato de Francis Bacon, algunos me sirvieron pero en la mayoría de los casos, el autorretrato de Tintoretto, pedía diferenntes colores.

  Para llevar a cabo el trabajo, he usado numerosos tipos de pinceles, tanto pre-diseñados  por el programa, como autorregulados por mí

Fuentes consultadas para mi  tarea:

http://es.wikipedia.org/wiki/Francis_Bacon_%28pintor%29

http://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_veneciana

http://es.wikipedia.org/wiki/Manierismo

http://es.wikipedia.org/wiki/Tintoretto

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=388

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=4

Haz una valoración personal sobre tu tarea: nivel de satisfacción con el resultado, tiempo que le has dedicado y principales dificultades encontradas durante su realización.

En general, el resultado final de la obra pictórica me ha dejado bastante satisfecho. Era algo arriesgado experimentar con estilos y técnicas tan radicalmente opuestas, pero quería probar y trabajar los diferentes pinceles que ofrece Gimp2.

 El total del tiempo usado para la tarea ha sido de unas cuatro horas y media, y las dificultades más importantes que he encontrado fueron las de manejar con solvencia los diferentes pinceles y encontrar los que se asemejaran a las pinceladas de Bacon o en otras ocasiones, modificarlos hasta conseguir el resultado buscado.

(Ruben Jiménez, 2014)


Dedico especialmente  este post a mis colegas que se reinventan cada día como docentes de materias artísticas,  musicales y escénicas  en sus aulas,  que consiguen prender la mecha del arte y la creatividad , aun a pesar de las  muchas limitaciones en medios,  de tiempos y espacios. 

Exposición “Un saber realmente útil”

Vista de la exposición . Vía MNCARS

Traemos a la Despensa  la reseña de una interesante  exposición temporal  en el Museo Centro de Arte Reina Sofía de Madrid llamada Un saber realmente útil  ( que estará abierta  hasta el próximo 9 de febrero) en la que a través de obras de pintura, fotografía, vídeo, murales e instalaciones de una treintena de artistas se propone reflexionar sobre los nuevos modos de aprendizaje y enseñanza recíprocos. Esta muestra  se engloba en el marco del proyecto “Los usos del arte de la red de museos europeos L’Internationale.

Acciones públicas para saberes realmente útiles. Diego de Pozo, Susurradoras, 2014

Interesante evidentemente  desde el punto de vista educativo  porque  bajo el enunciado ¿Por qué es útil aprender juntos?  se propone,  como leemos en su programa,   “un itinerario abierto que recorre algunas de las iniciativas presentes en la muestra cuyo denominador común es la voluntad de generar espacios de encuentro entre el arte y la educación formal y no formal que propicien procesos de co-aprendizaje, sin hacer distinción entre enseñantes y enseñados.  Así, el sentido del aprendizaje parte de una conciencia colectiva de los espacios, los bienes y los saberes que dé lugar a nuevas formas de politización  de la vida en común”.

En la web del Reina Sofía  presentan y argumentan así esta exposición (cita textual):

“La noción de un “saber realmente útil” surge a principios del siglo XIX junto con la conciencia obrera acerca de una necesidad de auto-educación. En las décadas de 1820 y 1830, las organizaciones obreras del Reino Unido introdujeron esta frase para describir un cuerpo de saberes que abarcaba varias disciplinas “no prácticas” tales como la política, la economía y la filosofía, en oposición a los “saberes útiles” pregonados por los patronos, quienes tiempo antes empezaron a aumentar la inversión en el avance de sus empresas a través de la financiación de la educación de los obreros en habilidades y disciplinas “pertinentes” como la ingeniería, la física, la química o las matemáticas.  En esta referencia a las olvidadas luchas de clase del capitalismo temprano, el título de la exposición sugiere una indagación en un “saber realmente útil” desde una perspectiva contemporánea.”

La muestra intenta posicionar la noción de pedagogía crítica como un elemento crucial en las luchas colectivas, así como investigar la tensión entre la emancipación individual y la emancipación social a través de la educación, en ejemplos tanto históricos como actuales, y su relación con formas organizativas capaces de liderar una resistencia unificada a la reproducción del capital.  Al hacerlo, la exposición insiste en el uso colectivo de recursos, acciones y experimentos públicos, bien olvidados o bajo amenaza de erradicación, tomando el museo como lugar pedagógico dedicado al análisis de formas artísticas interconectadas con relaciones sociales reales o deseadas.

Esta idea de la construcción colectiva de un conocimiento útil a través de redes y utilizando las  artes como vehículo de indagación en las identidades locales,   la hemos intentado llevar a  a la practica en distintos  proyectos colaborativos en nuestras  enseñanzas artísticas  como el Museo  Imaginario  o  en  tareas individuales como “En busca del arte popular andaluz” donde el alumnado de Dibujo Artístico debía indagar y reflexionar sobre las prácticas artesanales de su zona o localidad a través de distintos formatos extra-artísticos donde incluso se planteaba la entrevista, el trabajo de campo de antropología o  la investigación periodística  como recurso, propiciando al final la reflexión y la crítica, así como un acercamiento a determinados aspectos de su propia cultura intentando dar respuestas  a cuestiones tales como ¿De qué forma ha cambiado tu percepción del arte popular y la artesanía tras esta tarea ?¿Qué has descubierto o te ha sorprendido mientras la realizabas? ¿Algo que te haya llamado poderosamente la atención?, ¿Qué importancia crees que tiene el dibujo en la formación y aprendizaje de los artesanos? o ¿Qué es lo que- según tú- diferencia al arte popular del arte, digamos, culto?

En Pinterest  ( por ejemplo este trabajo de Héctor) y otras redes sociales o herramientas de la web social se recogieron algunos  de aquellos  proyectos del alumnado junto a sus memorias y reflexiones,   como la  de  Manuel Pérez Durán  en el pasado curso,  que aparece resumida en el texto que sigue a  su presentación,  los frutos de su  investigación y posterior  reflexión sobre la artesanía granaína.

Con la elaboración de esta tarea, me he dado cuenta de que tenemos que procurar, cueste lo que cueste, no perder labores artesanas  como la anea, la taracea, la fajalauza, etc. Son señas de identidad de nuestra cultura. Cuentan nuestra historia y deben seguir haciéndolo,  pase el tiempo que pase.

La realización de esta tarea me ha servido para conocer un poco más profundamente algunos  de los oficios artesanos más bonitos de la provincia de Granada. Me he sorprendido, por ejemplo, del arduo trabajo que  supone crear una obra en taracea. O, profundizando en la cerámica de fajalauza, he descubierto cual es el color original de dicha cerámica, ya que hoy en día, existen numeras tonalidades de colores en este tipo de azulejería y cerámica.

Poniendo de ejemplo artesanías como la taracea, sería imposible realizar dicho trabajo sin un dibujo o diseño previo. Esta artesanía se caracteriza por el encastrado de piezas de diferente origen, por lo que previamente se tienen que haber preparado y pulido. Si no hubiera un diseño previo, sería imposible elaborar las obras de arte que podemos ver hoy en día.

La principal diferencia del arte popular con el resto de expresiones artísticas es que nace de labores cotidianas del día a día. Con el esparto, se hacían canastas, serones, capachas, etc. La cerámica de fajaluza se utilizaba principalmente para elaborar vasijas que se utilizaban en el día a día. Es un arte que nace de la necesidad del pueblo por crear utensilios para mejorar  su “calidad de vida”.

Como ya he dicho antes, hay oficios artesanos que tienen poco o ningún sentido en la actualidad. Con la aparición del plástico, nadie “echa culos de anea” a las sillas. Igual pasa con la taracea, es un tipo de artesanía que tiene un público muy especifico. Hoy en día, casi nadie utiliza ya este tipo de utensilios, si no es para adornar.

En esta tarea he intentado reflejar los tipo de arte más populares de la provincia de Granada. He querido introducir el labrado de palmas blancas para el Domingo de Ramos, porque mi madre participa en uno de los talleres que las realizan en Montefrío. En la elaboración de las palmas de este año, han sido numerosos medíos de comunicación los que se han interesado por este tipo de arte, más contando con que son personas mayores y sin ninguna formación previa.

El resultado obtenido en la tarea ha sido bastante satisfactorio. Creo que he conseguido plasmar los tipos de arte popular granadino, y andaluz, más representativos.

Pintando con fuego: el arte de Steven Sparzuk


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Steven Spazuk es un artista canadiense que ha desarrollado una técnica muy peculiar: pinta con humo.  Aunque  no es el primero ni mucho menos en hacer uso del fuego y del humo  con intenciones artísticas. De hecho,  el  “fumage”  es una vieja  técnica surrealista inventada por Wolfgang Paalen en la que las impresiones están hechas por el humo de una vela o de una lámpara de queroseno en un pedazo de papel o lienzo en blanco o pintado. Más tarde fue empleado   por Salvador Dalí,  quien lo llamó “sfumato”.   El inquieto y polifacético artista conceptual   Yves Klein  también experimentó  en  los años 6o  con el fuego en sus lienzos y en muchas de sus famosas performances.

Yves Klein en una de sus performances con fuego

Otros artistas contemporáneos  han continuado experimentado con el humo en sus lienzos ,  como Jiri Georg  Dokoupil  que en los años 90 produjo una gran serie de obras realizadas con esta técnica.

El caso de Sparzuk es distinto.  Lo suyo ha sido  un lento  pero fructífero dominio de la técnica hasta producir obras y dibujos  realmente espectaculares, con un algo grado de realismo.  Como muchos otros, comenzó dibujando con técnica tradicionales como la acuarelaspintura acrílica hasta que en el año 1980 empezó a usar el aerógrafo. Fascinado por la capacidad que le ofrecía esta técnica de generar degradados,  en el año 2001 le surgió una idea:  ¿Qué pasaría si expusiera un lienzo al fuego y controlase la impresión de hollín que éste deja sobre la superficie? Desde entonces hasta hoy , ha estado experimentando y perfeccionando esta técnica, usando  plumas  de aves y otros utensilios  a modo de pinceles, como se aprecia en el siguiente vídeo.  

Podéis ver más obras de Steven Spazuk en su web personal. Dejamos a continuación una muestra de su curioso y peculiar  trabajo con el fuego.

Imagen vía Area Visual

Imagen vía Área Visual

Imagen vía Área Visual

Otros artistas contemporáneos también usa el humo y el fuego en sus obras, como las curiosas  botellas decoradas de Jim Dingilian.  Sobre la técnica del “fumage”  en esta página encontréis  bastante documentación  e  incluso enlaces a tutoriales para pintar con humo . ¿Quién se anima?  Eso sí, tengan un extintor a mano …

Los collages de Sean Mackaoui

Collage para la publicación La Maleta de Portbou (2014)

Sean Mackaoui (Lausana, 1969) es un artista anglo-libanés residente en Madrid dedicado profesionalmente a la ilustración gráfica, siendo colaborador de reconocidas revistas y publicaciones  como Elle,  Vogue, El Europeo, El Canto de la Tripulación, Rolling Stone España o El País de las Tentaciones,  entre otros espacios.   En su curiosa página web  (http://www.mackaoui.com/)  podemos disfrutar de  su multidisciplinar  universo gráfico. En algunos medios lo han definido con el significativo  “rey de la tijera obrera”.

Collage (2014)

En  los trabajos de Mackaoui podemos encontrar algunas influencias de maestros de las vanguardias como Kurt Schwitters, Marcel Duchamp o Man Ray y por supuesto pinceladas de  “magos de la imagen” españoles como   Joan Brossa,  Isidro Ferrer o Chema Madoz,  este último muy apreciado en esta despensa y al que ya le dedicamos  esta entrada.  Como ellos,  maestro de las metáforas a través de las imágenes y las esculturas gráficas. Sabe darnos atisbos de humor y de poesía en sus composiciones mínimas, privadas, casi íntimas, que se articulan sobre dos ejes fundamentales: collage y ensamblaje. Pegando recortes de revistas, periódicos o palabras encontradas, Mackaoui crea collages con los que –a través de la combinación de elementos a primera vista incongruentes– pone al descubierto nuevos significados y lecturas.

Sean Mackaoui  “Ensamblaje”

También emplea en sus ensamblajes formas de tres dimensiones –combinando materiales de desecho o simples restos, mediante las cuales construye pequeños objetos, máquinas alucinantes que se mueve y funcionan con una lógica propia. Interesante también su labor pedagógica a través de la impartición de talleres sobre el collage,  como el realizado en el Círculo de Bellas Artes de Madrid o  algunas Escuelas de Arte y Diseño.

Talleres de Autor: Sean Mackaoui from LENS Escuela de Artes Visuales on Vimeo.

Mas info:
La  aventura del saber. Boek Visual. RTVE a la carta