Por qué nos gusta tanto el editor GIMP

Recreación de un escritorio de edición digital | de  MarcoPapale.com en Flickr bajo CC

El dibujo artístico se ha visto enormemente enriquecido  con la aparición de las herramientas digitales,   facilitando y simplificando procesos  y sobre todo, tiempos,  especialmente en el caso del diseño  gráfico o la ilustración.   Con la evolución de los programas de edición   -como Photoshop,  por ejemplo-  y de los equipos informáticos cada vez más potentes gráficamente ,    el arte digital  se ha ido haciendo más asequible tanto a los usuarios como a profesionales del sector,    gracias al auxilio  de una gran variedad de  periféricos   (escáneres  e  impresoras fotográficas en alta resolución,  tabletas digitalizadoras,  etc.)  que han ido en paralelo al  avance  tecnológico de las cámaras digitales,  tanto de fotografía como de vídeo.

El escritorio de GIMP

El caso es que  programas como Photoshop  requieren licencias de pago,  es decir,  hay que pagar por usarlos,  por lo que no eran  muy adecuados para utilizarlos genéricamente en las dotaciones informáticas  de los centros educativos,  que tendrían que cubrir el gasto de dichas licencias de uso.   Pero de un tiempo a esta parte,  con la popularización del software libre,  han ido también evolucionando potentes e interesantes aplicaciones de “código abierto” como The Gimp,  totalmente gratuitas  y que podemos descargar e instalar fácilmente en nuestros ordenadores personales o  en las redes docentes.  Además, es  multiplataforma  ( vale lo mismo para los distintos sistemas operativos de Windows,  Mac  o  Linux)   y permite realizar prácticamente las mismas operaciones que   la popular suite de programas  de edición y retoque  de Adobe.

La elección de The Gimp como software de referencia para gran parte de nuestro trabajo ( en especial en la asignatura de Dibujo Artístico)  obedece pues a  estas  razones:  que es bastante  bueno y  que es un software libre, gratuito y multiplataforma.

Además, está el valor añadido de que  tras  The Gimp hay una gran y activa comunidad de usuarios y desarrolladores  que  tienen espacios y blogs donde podemos aprender  los usos,  trucos y mejoras de las herramientas de este programa como por ejemplo,  Todo GIMP.  Usar Gimp es mucho más que abrir un programa y trabajar con él ,  pues también fomentamos  en la medida de lo posible en nuestro alumnado del Bachillerato de Artes,   esta cultura emergente del software libre. Es por tanto, también, una filosofía.

Autorretrato  con GIMP ,  de María Olmos (curso 2012/13)

Las características de The GIMP son prácticamente las mismas que las de cualquier editor actual de imágenes: sistema de múltiples capas, canales alfa, historial de operaciones, herramientas de selección y transformación, máscaras, degradados, etc…  Tiene función de hacer/deshacer casi ilimitados, así como la posibilidad de abrir múltiples imágenes simultáneamente. Aparte de  realizar afinados ajustes a las imágenes,  rotarlas o transformarlas con las distintas herramientas que dispone,  también podemos aplicarles muchos filtros artísticos  y tantas otras utilidades creativas.

Por tanto,  hemos propuesto GIMP  en nuestros materiales y para  muchas  tareas hemos elaborado presentaciones con algunos tutoriales específicos así como prácticas guiadas  para  dichas tareas,  como las tres prácticas  que siguen a continuación,  para quien le interese experimentar:

Estas y otras prácticas las hemos requerido para tareas como la que recientemente reseñamos en esta despensa,  Postales viajeras en el tiempo donde el  reto era hacer homenajes anacrónicos e imposibles entre dos artistas de distintas épocas.

Caravaggio autoretratándose al estilo Warhol , postal de Agustín Paños (curso 2012/13) | Ver portfolio de trabajos 

En  la tarea  ¿Dónde está la gente?  para la unidad dedicada al paisaje,   donde el alumnado debía -con las  herramientas de clonado y usando distintos  pinceles de GIMP-   limpiar o borrar  a los personajes de determinados cuadros hasta dejar al descubierto  el paisaje o espacio que ocupaban dichos personajes, para reflexionar sobre  las impresiones que dicho paisaje desnudo les causaba.

Tarea de Elisabeth | ver portfolio de trabajos

En  la tarea sobre “Apropiacionismos artísticos” donde se encontraban con el reto de apropiarse  críticamente de  una obra de arte para darle un nuevo significado acorde   o relacionado con cuestiones de actualidad. Con ello debían investigar el estilo, técnica e intenciones de sus autores para elaborar su propuesta.

Tarea de Rubén Triguero apropiándose de la obra y estilo  de René Magritte  | Ver portfolio de trabajos

En la tarea sobre El Autorretrato,  en la cual debían experimentar  con su propia imagen personal aplicándole  las texturas, filtros artísticos  y  nuevos pinceles de GIMP.

Tarea sobre el autorretrato | curso 2013/14 Ver portfolio de trabajos

En la tarea “Ilustrando sueños”  ( ya hablamos de ella  aquí)  de Dibujo Artístico II  donde debían aprender a hacer fotomontajes  y otras manipulaciones fotográficas para recrear en imágenes surrealistas   sus propios sueños.

“Mi sueño”  de Clara María Villalba (Curso 2012/13)  | Ver portfolio de trabajos 

En la tarea para Volumen  “Mi proyecto escultórico”  debían realizar una maqueta de una escultura pública  y “colocarla” con GIMP  en un espacio real  para ver el efecto a su tamaño definitivo.

Proyecto escultórico de , curso 2013/14 | Ver portfolio de trabajos

En conclusión,  las nuevas tecnologías se han aliado con las artes de forma natural. Artistas y mercados han aprendido a desenvolverse con ellas. Las herramientas y los nuevos formatos digitales condicionan nuevas formas de difundir contenidos artísticos a través de internet que a su vez, generan nuevas formas, hábitos y espacios que nos hacen plantear también nuevos enfoques en la educación artística. Herramientas digitales como GIMP son pues un valioso recurso  educativo para utilizarlas creativamente en las  aulas.  Animamos desde esta despensa  con estas propuestas a que se trabajen con ellas y se popularice su uso.

IV Semana Internacional de la Educación Artística (El ARTE es realmente útil)

  AUTORA> Merce Suarez Roldan; Madrid, ESPAÑA: “El ARTE es realmente ÚTIL para hacernos soñar y transformar nuestra realidad”

Como ya anticipábamos   tiempo atrás en esta entrada  , en breve  arrancará   la IV Semana Internacional Internacional de la Educación  Artística declarada en 2011  por la UNESCO  y que se desarrollará  durante los días 18 a 24 de mayo,  a través de su coordinadora  Ángeles Saura  y   la cuenta en facebook  Educación Artística  en clave 2.o   . Dicha  celebración busca sensibilizar a la comunidad internacional sobre la importancia de la educación artística, presentar proyectos concretos en el tema y buenas prácticas, así como fortalecer la cooperación entre los actores principales promoviendo la diversidad y el diálogo cultural e intercultural y la cohesión social.

Cartel Exposiciones EnREDdadas

Este proyecto ya ha  sido presentado en España  desde 2012 en más de cincuenta ciudades de 15 países y  cada año cuenta con mayor participación,  demostrando  la vitalidad, capacidad de colaboración  y buen hacer de  nuestro colectivo docente,  como  se puede comprobar en este listado de exposiciones enredadas programadas  para este 2015  donde participan a través de  proyectos expositivos colectivos  por igual  alumnos y docentes-artistas  de  centros  educativos de distintas ciudades españolas, americanas y europeas .
Y  viene especialmente bien, precisamente ahora que entrará en vigor la LOMCE, donde tan mal paradas salen las enseñanzas artísticas en muchas comunidades autónomas, especialmente en la de  Madrid, donde precisamente el Colegio de Doctores y Licenciados en Bellas Artes de Madrid y Profesores de Dibujo ha presentado este informe a la Consejería como denuncia de la situación de nuestra asignatura ( ahora renombrada como “Educación Plástica, Visual y Audiovisual”)  en secundaria.

Y también en Madrid se ha inaugurado una de las exposiciones enREDadas llamada “Un ARTE realmente ÚTIL”  que tuvo lugar  en la Facultad FP Educación Uam, de Madrid y que tuvo el lujo de contar con  Teresa Torre de Eça,  presidenta de InSEA (http://www.insea.org/) a quien tuve la gran suerte  de escuchar  en la  charla inaugura l del V Congreso Internacional de  Educación Artística  y Acción Social que se celebró tiempo atrás en Huelva y de la que dimos también buena  cuenta por aquí   en esta amplia reseña. En la exposición antes citada se exponen, como dice su comisaria Angeles Saura ,  unas imágenes-semillas que sirven para reflexionar acerca d e la necesidad de la educación artística, que pasamos gustosamente a compartir en nuestra despensa algunas de ellas…

Cartel Exposición “Un Arte realmente útil”

AUTORA> Marta Lage Rosa; Madrid, ESPAÑA: “LAND-ÚTIL-ART”

AUTOR> Carlos A. Cuenllas; León, ESPAÑA: “El ARTE es ÚTIL para crecer: Vitaliza, Educa, Representa, Divierte, Abre tu mente, Denuncia, Expresa, Relaja, Alegra, Motiva, Enamora, Nutre, Trasciende, Explora”

AUTORA> Beatriz Burgos; Madrid, ESPAÑA: ” El ARTE es útil para conocerse”

AUTORA> Lola Sanchez; Málaga, ESPAÑA: “El ARTE es ÚTIL y necesario para desarrollar la empatía”

Las exposiciones virtuales en Dibujo Artístico ( y II)

Detalle de la galería personal de Adela Ruiz (curso 2013/14)

Este curso nuevamente damos continuidad  a nuestro proyecto de arte como  tarea global  final de trimestre y del curso en Dibujo Artístico II  llamada  “Mi primera exposición virtual” con la aplicación Virtual Gallery que permite crear galerías virtuales con  proyectos personales del alumnado simulando entornos en  3D.

Ya anteriormente  compartimos  en esta otra entrada las magníficas galerías que abrieron los alumnos del pasado curso  con dicha aplicación junto a sus  correspondientes catálogos  en ISSUU.

En esta ocasión reseñaremos detalladamente  tres galerías,  las enviadas hasta la fecha en el presente  curso, ya que es una tarea aún abierta y  en proceso. En ellas daremos  voz al alumnado para que nos cuente su propuesta,  su proceso y su valoración final del proyecto.

Para acceder a las galerías hay que clicar en las capturas de las mismas o en las obras de muestra que se han reproducido.

Galería virtual “En las entrañas de la locura” de Rubén. Ver su catálogo-portfolio

Muestra de obra expuesta. Reflexión del autor: Quieres escapar y ni siquiera puedes respirar, quieres salir, pero te adentras más y más en las profundidades de un laberinto oscuro, tenebroso y sin escapatoria.

Comenzamos con la galería de Rubén . Su propuesta expositiva se llama “En las entrañas de la locura” . Aunque la argumenta detalladamente  en su catálogo, dejamos  que nos adelante él mismo un fragmento de su  propuesta:

“En las entrañas de la locura” es una exposición que se adentra en el interior de la enfermad, los trastornos, los síndromes y los espectros mentarles, para transmitir de forma perturbadora y asfixiante, el sufrimiento y la agonía de quienes están condenados a convivir a diario con una afección mental”

En cuanto al proceso en sí de la tarea ,  Rubén nos cuenta los siguiente:

En cuanto vi que una de las posibilidades era “El vuelo de la mente” supe que sería la elegida para mi exposición. Me puse a darle vueltas a los diferentes temas sobre los que podía enfocarla, y me decanté por “la locura” ya que es un tema que me parece misterioso, oscuro y un asunto que en muchos casos, no se tiene la sensibilidad y comprensión necesarias para entenderlo. Me documenté al respecto, porque además de las imágenes, quería añadir textos que complementasen la exposición y le dieran mayor verosimilitud.

Para realizar el proyecto, utilicé la aplicación en línea “Net Art Generator” porque ofrecía la posibilidad de crear obras sin una manipulación directa, obras generadas al azar (o casi), con lo cual tenía cierto nexo con el tema elegido. Además usé Gimp para varias de las obras generadas por la aplicación pues, debido al resultado azaroso, debía retocarlas, recortarlas o completarlas. Las técnicas usadas fueron el collage digital (en todas las imágenes), la edición de imágenes digitales y el dibujo digital.

Y finalmente, su valoración y grado de satisfacción con el resultado:

En general me ha resultado una tarea muy interesante e instructiva, porque me ha dado la oportunidad de realizar todo un proyecto artístico desde cero (aunque obviamente las obras realizadas son precipitadas), y ver todos los componentes que se suman a las propias obras artísticas en el trabajo profesional del artista.

En general, creo que me ha llevado unas diez horas realizar la tarea, en cuanto a dificultades, más o menos todas las herramientas ya eran dominadas (N.A.G. era simple y Virtual Gallery bastante intuitiva), más que nada necesité un poco de tiempo para organizar las ideas y realizar el trabajo (qué, cómo, de que manera…), algo que tiene que ver más con la paciencia que con la dificultad.

Esta tarea me ha enseñado a ser consciente de todo lo que conlleva un trabajo profesional de arte, en cuanto a la satisfacción, creo que en general la tarea me quedo bien.

Galería virtual “Mi galería”, de Yanira | Ver su catálogo-portfolio

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Obra de muestra: “La alegría de estar”

Seguimos  con la propuesta de Yanira con el título  “Mi galería” que,  aunque no nos proporciona en su memoria una descripción concreta  de la misma,  nos resume así  su proceso de la siguiente forma:

He hecho esta tarea en una mañana. No me ha costado hacerla, aunque si me ha costado tiempo. Era muy larga y me cansé un poco, pero aun así, creo que la tarea finalmente me ha quedado bien.

En resumen, he utilizado una gran variedad de herramientas que si no supiera utilizar, no sería nada fácil hacer dicha tarea.

En cuanto a su valoración, nos comenta lo siguiente:

Esta tarea como dije anteriormente, ha sido un tanto extensa y me ha llegado a cansar. Pero aun así, estoy satisfecha con mi trabajo. Creo que lo he hecho correctamente. He aprendido a utilizar el programa Net.art Generator”, que lo desconocía totalmente, pero que me ha sido muy útil para esta tarea. Lo único que no me ha gustado de la tarea, que pese al tiempo que le dedique para que me quedara todo correctamente, no entiendo porque cuando subo el trabajo a ISSUU, se me descoloca todo y parece estar desorganizadas algunas cosas. Es lo único que me ha causado problemas.

Y terminamos con la propuesta expositiva personalísima de Eduardo:

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Galería virtual  de Eduardo  “Black Plastik” | Ver su catálogo portfolio

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Obra de muestra: “Perspectiva sigilosa” | collage- técnica digital

Así nos explica su personal  propuesta expositiva:

En cuanto al proceso, ésto es lo que nos comenta:

Al principio tenía demasiadas ideas que llevar a cabo en un proyecto de esta índole, ya que me parece una tarea bastante gruesa. Me decidí por un tema que siempre me ha gustado mucho, el placer/dolor, la introspección y los debates con el yo interior, la razón y el impulso sexual. No sé si la tarea puede ser catalogada como inapropiada, lo cierto es que pese a tener escenas sexuales, todo se da en un contexto meramente conceptual y nada explicito.  Había visto vídeos en los que las personas se ponían un catsuit verde y jugaban con los cromas a desaparecer y poner algo dentro de sus siluetas. Me pareció una forma muy apropiada de fusionar al animal y al humano, incorporando la imagen de estos dentro de las siluetas humanas. Quería una estética en la que el color fuera el protagonista, algo muy pop y sintético, sin demasiadas texturas y con un predominio de colores sólidos. Tomé varias imágenes sadomasoquistas y de tendencias sexuales y las dibujé sobre un folio (sin calcar) para luego escanearlas y poder manipular las siluetas.

Una vez cargué las imágenes en Gimp, traté de borrar bastantes imperfecciones, aunque sin obsesionarme demasiado, ya que no tengo el tiempo que quisiera para dedicarle a esta tarea (aun así le he dedicado dos días ja ja). Después de añadir un campo alfa invisible recorté las áreas donde había piel en el modelo para poner debajo una capa de animal, obteniendo así el fondo del animal sobre los contornos del personaje. Ha sido bastante repetitivo, porque tenía que depurar mucho para que las áreas no quedaran feas, pero finalmente me ha gustado bastante el resultado.

He creado  la galería y la he compartido por facebook, que ahora mismo está ardiendo de “me gustas” y comentarios ¡lo que me hace tanta ilusión que moriré!

Y para terminar su valoración:

La tarea me ha parecido como siempre. Genial. He aprendido a la vez que me he divertido y encima he hecho lo que siempre he querido hacer. Crear una galería y compartirla con el mundo. Por su puesto que  VirtualGallery va directa a marcadores porque pienso usarla siempre, es muy sencilla pero bastante resultona.

Como conclusión , decir que esta tarea ha sobrepasado todas mis expectativas en cuanto a objetivos marcados  y sobre todo,  por  la implicación y calidad de cada una de las propuestas presentadas. Un broche brillante para una trayectoria ejemplar de este meritorio  alumnado de nuestro Bachillerato de Artes.

La creatividad publicitaria de Honda

Fotograma perteneciente al spot

Fotograma perteneciente al spot “An Impossible Made Possible”

Desde esta Despensa felicitamos a los creativos comerciales de la conocida factoría del motor  HONDA  por los magníficos spots publicitarios con que nos sorprenden  en estos últimos años y que no pasan  desapercibidos por su originalidad  a través de  sus desafíos visuales o estéticos.  Gran parte de dicho éxito se le debe al talento creativo de agencias como  W+K  o  Leo Burnett.
Como botón de muestra dejamos unos cuantos de estos comerciales, a los que no quitarás tus ojos de encima  en cuanto empieces a verlos.

Comenzamos con el sorprendente comercial  de Honda Accord de 2012 conocido como “The Cog”  inspirado en  las Ruber Goldberg Machine o artilugios que realizan reacciones en cadena, como pudimos apreciar en  This too shall passel  maravilloso videoclip  del grupo  OK GO  que ya citáramos hace tiempo en esta despensa  y que vale la pena ver si no lo conocen.

Como anécdota, cuentan que en este comercial no hay manipulación gráfica por computadora ni trucos digitales en estas imágenes. Todo lo que se ve sucedió en tiempo real exactamente como aparece en el anuncio. La grabación requirió de 606 tomas. En las primeras 605 tomas siempre hubo algo, usualmente de menor importancia, que no funcionó. Todo lo que se ve en la secuencia (aparte de las paredes, del piso, de la rampa y el Honda Accord sin desarmar) son partes del automóvil anunciado. El equipo de grabación tuvo que instalar todo el conjunto una y otra vez y pasó semanas realizando tomas noche y día. No es extraño que por tanto este anuncio se esté convirtiendo rápidamente en el más descargado en la historia de internet.

En este otro de 2013 también para el modelo  Honda Accord recurren al stopmotion  y  a la estética tan  “nipona” de los  transformers ...

Y  qué decir de este otro, también del 2013,   para el modelo  Honda CR-V 1.6 –  que bajo el eslogan  An Impossible Made Possible  (Lo imposible hecho posible)  nos invita a    sorprendernos con los juegos y engaños de la percepción,  las anamorfosis  (deformaciones perspectivas)   y figuras imposibles …

En Dreamrun,   otro comercial creado para la serie HR-V de Honda por la agencia Leo Burnett  destaca   el ritmo  a lo  road movie y la dinámica cinematográfica  de la historia,  atrapándote la atención su principio totalmente surrealista para derivar luego en una alocada persecución.

 En definitiva,  buenos  ejemplos de creatividad publicitaria.

¿Dónde está la gente? Los cuadros deshabitados en Dibujo Artístico

Después de un tiempo  dando cabida en los estantes de esta despensa a distintos eventos, reseñas   y noticias  vinculadas a la educación artística,  toca el turno de devolverle  el protagonismo a  los  artífices y verdadero alimento motivacional de esta despensa: el alumnado.

Proyecto de José Manuel Ballester para el Museo del Prado .  “El jardín de las delicias” de El Bosco, deshabitado.

Y vamos a hacerlo mostrando el trabajo de tres de ellos para una tarea actualmente en proceso ( ver trabajos enviados en Pinterest)  en la Unidad didáctica “El espacio y el paisaje” de  la materia de Dibujo Artístico II,  en concreto nos referimos a la tarea  ¿Dónde está la gente? donde siguiendo el ejemplo de otros  creadores como  José  Manuel  Ballester,  deben  “deshabitar” de personajes un cuadro de su elección mediante el editor  The GIMP, al  que por cierto,   dedicaremos  en breve una entrada en exclusiva.

Las rosas de Heliogábalo

Vamos a empezar con  Eduardo  y vamos  a dejar que él mismo cuente su experiencia a través  de la documentación que nos envía junto a su trabajo digital ,   porque vale la pena apreciar la forma en que nuestro alumnado aprende,  la forma en que recurre a sus emociones,   indaga y  se implica en la realización de estas tareas y en definitiva,   la forma en que consigue superar las dificultades  y retos que muchas tareas les plantean, propiciando un conocimiento profundo del hecho artístico.

Las rosas de Heliogábalo  de Alma-Tadema (1888) | Colección privada 

Una vez más me he divertido aprendiendo y aumentando mi destreza en el ámbito de la creación/modificación digital. Tenía varios cuadros pensados para la tarea. Estaba seguro de que quería que fuese neoclásico  y estaba  entre Gerome,  Tadema o Louis David.  Lo cierto es que el primer cuadro en el que pensé fue “Las rosas de Heliogábalo”, pero pensé que sería prácticamente imposible sin prestarle demasiada atención y me puse a buscar otros. Sin embargo ninguno de los que veía me resultaba adecuado (no paraba de  pensar en la obra de Tadema) estuve dando vueltas durante mucho tiempo hasta que finalmente me resigné a mi voluntad más profunda y ojeé pormenorizadamente el cuadro de “Las rosas de Heliogábalo”  haciendo un simulacro mental y mirando qué personas eran más fáciles y cuales más difíciles. Decidí realizar un intento con calma y en caso de no poder, abortar misión y escoger otro.

Para mi sorpresa pude resolver los “problemas” a los que me debía enfrentar, la mayoría de ellos relacionados con el espacio imaginario, ya que las siluetas dejaban bastante fondo a merced de la imaginación (anchura de cojines, etc). Fui viendo el resultado y me estaba gustando, por lo que seguí hasta acabarlo y realmente no me arrepiento. Creo que el resultado ha sido bastante bueno, estoy contento.

Resultado final: Cuadro deshabitado

Para realizar la tarea solo he usado  dos herramientas, el tampón para clonar y las selecciones de áreas para delimitar formas y texturas y que no quedara un borrón. Tuve que imaginar ciertas cosas como los cojines de detrás de las figuras así como los pétalos que yacerían sobre los cojines sobre los que se encontraba la figura. La parte que más tiempo me ha llevado fue la de las figuras en primer término, ya que había poca superficie sobre la que clonar lo que me resultó otro desafío.

Proceso de trabajo con la herramienta GIMP

Una vez alejé el zoom para corroborar el vacío de los personajes me di cuenta del cambio de sensación que me evocaba. Sin personajes los pétalos toman aún más protagonismo del que ya tienen además aumenta la sensación de tridimensionalidad en contraste con la profundidad de campo y las montañas lejanas. También se percibe más la altura de la escena y las bellas vistas, sinceramente me parece un lugar muy exquisito y paradisíaco, me encantaría poder entrar en el cuadro y disfrutar de la maravillosa vista.

 Las hilanderas sin hilanderas

“Las Hilanderas (Fábula de Aracne)” de Velázquez (c 1657) | Museo del Prado

 

Manuel Domínguez se propuso deshabitar otra obra maestra : las Hilanderas de Velazquez y el resultado es espectacular. También dejamos que él nos cuente su experiencia más abajo…

Hilanderas sin hilanderas

He elegido las Hilanderas de Velázquez porque siempre he querido entrar en ese taller, en especial para pasearme por la sala interior y apreciar esos tapices.
No tengo esa suerte, pero si la de poder recrear el espacio, por lo que no lo dude ni un instante a la hora de escoger la obra.
Por otra parte, se trata de una de las obras más complicadas para hacer esta tarea, dada la cantidad de personajes presentes en ambas salas.He intentado recrear el espacio lo mejor que he podido, pero no ha sido fácil desde el PC. Quizás lo más indicado hubiese sido realizar a lápiz un boceto de la habitación y más tarde, mediante photoshop y con el boceto por plantilla, recrear la sala. De esta manera se evitarían los problemas de perspectiva como el de la escalera y se habrían podido añadir más objetos como los bancos de algunas hilanderas.

No obstante, estoy contento con el resultado obtenido.
Una tarea muy curiosa y entretenida.

La concha de Venus

“El nacimiento de Venus” de Sandro Botticelli (1484) | Galería de los Uffizi (Florencia)

 

Si hay un cuadro donde  la presencia humana adquiere protagonismo absoluto, ése es  sin duda, “El nacimiento de venus de Botticelli”. ¿Que pasaría si hacemos desaparecer a sus protagonistas dejando sólo como testigo la concha de la venus? Pues eso se propuso Ana Parra y éste es el resultado. También dejamos que nos cuente su experiencia…

La concha de Venus

 

La tarea me ha parecido interesante y sobretodo curiosa, eso de “deshabitar” un cuadro, de darle más importancia al fondo, que a los personajes o a lo que estos representan.

Me pregunto qué pensaría Botticelli al ver tan vacío su cuadro, que aquella escena del Nacimiento de Venus, que pretendía representar y sus cinco personajes protagonistas han pasado a un segundo plano en favor del “relleno” del fondo paisajístico.

Elegí esta obra que aunque tiene muchos cambios de  paisajes, tonalidades y texturas, como son las olas del mar o el cielo, es un cuadro que me gusta y decidí usarlo para esta tarea a pesar de no ser uniforme. Por ese motivo le dediqué bastante tiempo, procurando que las partes clonadas e inventadas tuvieses sentido, ya que al desaparecer una figura debes imaginarte e intuir por lo que le rodea como podría ser, en que tonalidades o formas iría el paisaje, etc…  En general estoy bastante satisfecha con el resultado, ya que no ha sido fácil ir buscando y clonando todas las tonalidades de la obra.

Y llegamos al final, aunque hay más trabajos, no quiero hacer más extensa esta entrada.

Reclaim The Commons: 17 (y último) Festival ZEMOS98

El  17 Festival ZEMOS98- Caring For The City: Reclaim The Commons”   cuyo cartel  oficial aparece arriba reproducido,   se celebrará próximamente, del 15 hasta el 18 de abril en Sevilla. Y sí, por desgracia será el último, como reza el título de esta entrada.  Es el número 17  y con él se pone fin a un proyecto innovador que por falta de apoyo económico y respaldo de las instituciones echa el cierre. Una lástima , pues la ciudad pierde así uno de sus festivales culturales independientes  más internacionales  y con más identidad en cuanto a la amplitud  y modernidad de sus propuestas que giran en torno a la gestión de  proyectos audiovisuales, internet,  las redes,  la cultura digital  y el Procomún,  entre otros campos.  Las razones las argumentaban  amarga y  detalladamente en su web   a través de  una nota de prensa El Festival ZEMOS98 no llegó a la mayoría de edad.

Y no solo por eso especialmente nos entristece la noticia,  sino también porque el colectivo ZEMOS98  es un  viejo conocido de esta  Despensa,  no en vano,  algunos de sus miembros han sido responsables de los materiales originales creados para la asignatura de Cultura Audiovisual  e igualmente responsables o gestores del programa educativo andaluz  ComunicAcción en el que estamos participando con un proyecto  de radio  durante este curso.

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Taller BCC, 2009 | Foto:Creative commons | vía MPB

Y si olvidar que hace ya algunos años  antes de recalar en el IEDA  y en el seno de  su  11 Festival ZEMOS98  que llevaba por lema “La Educación Expandida”,  pude  conocerles y participar  durante una semana en un Taller sobre el  Banco Común de Conocimientos  (a un servidor le  hicieron  esta  entrevista  un tiempo después  -más bien, encerrona – para el programa de Canal Sur Televisión,  El Club de las Ideas)  que junto al colectivo Platoniq   pusieron en marcha en un centro educativo del Polígono Sur sevillano. Fruto de toda aquella  experiencia  quedó un gran documental,  La Escuela Expandida, que compartimos  a continuación.

Volviendo a  la presente edición del festival 17 Festival ZEMOS98- Caring For The City: Reclaim The Commons,    y  tomando como referencia su programa  y  algunas  notas de prensa  publicadas en distintos medios y agendas culturales,   comentar que  “el eje que vertebrará la temática de esta edición será el Hackcamp  #reclaimthecommons. Este formato es un híbrido entre un encuentro y un hackatón que se desplegará los días 16, 17 y 18 de abril. En él participarán alrededor de 40 agentes sociales internacionales, con perfiles tan diversos como activistas, investigadores, hackers o creadores, y que se encuentran trabajando en sus comunidades locales en el ámbito de los bienes comunes, la economía social o la defensa del espacio público.”

Fotografía : vía ZEMOS98

Todo ellos servirá, según sus organizadores,  para   reflexionar sobre las iniciativas que se están llevando a cabo en Europa como forma de subvertir la precarización de la vida que están provocando las políticas neoliberales.

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Concentración en Sevilla, mayo de 2011, Foto: Creative commons |  vía MPB

Han pasado  cuatro años desde que las protestas del #11M  agitaran especialmente  las ciudades de toda Europa y encendieran  una  ilusión o esperanza  colectiva  en la ciudadanía de  una revolución social y política bajo los conocidos eslóganes  de “Otro mundo es posible” o  “No nos representan”. Lo cierto es que desde entonces, mucha gente se está organizando para luchar por sus comunidades locales, para defender los  bienes comunes  y para  combatir la inercia de gobiernos cada vez más lejanos del ciudadano de a pie.  La pregunta que cabe hacerse es:

 ¿Quién decide sobre nuestras vidas ?

Programa del 17 Festival Zemos98

Arte, Tecnología, Naturaleza: tres sorprendentes proyectos multimedia

Post  dedicado a la descubridora de esplendores,  Rosa Díez (@Teacherrose1964)

Proyecto “Years”| vía http://traubeck.com/years/

La naturaleza ha sido y es fuente inagotable de inspiración para el arte y los artistas.  Aparte de las artes tradicionales como el dibujo.  la pintura o  más recientemente,  el land art,  las nuevas tecnologías  abren insospechados caminos  de experimentación  artística por los cuales explorar la belleza, muchas veces oculta,   que nos ofrece  la naturaleza.

Traemos a nuestra despensa tres de estos  sorprendentes proyectos multimedia que tienen su fuente de inspiración en la biología y la naturaleza:  “Years”,   “Cetácea, geometría sagrada”  y  “Seaquence”.  Vamos a comentarlos brevemente  y si os interesa , podéis ampliar información   a través de los enlaces proporcionados.  Seguro que os van a sorprender…

1. “Years”, la música secreta de los árboles

¿Te imaginas que los árboles hablaran y pudiesen transmitirnos su historia? Algo parecido es lo que propone el artista alemán, Bartholomäus Traubeck, que es capaz de hacerlos sonar gracias a un tocadiscos modificado que reproduce el corte de un árbol y hace que suene música de sus anillos.

Bartholomäus adaptó un tocadiscos normal en uno que pudiese hacer sonar música de los árboles . Para ello,  sustituyó el cabezal de lectura por una micro cámara y el disco por un corte de tronco de árbol  manipulado de tal forma que cada anillo del árbol emite un sonido determinado al ser leído por el cabezal… En esta web  encontrarás mucha más información de este sorprendente proyecto audiovisual.

2. “Cetácea,  geometría sagrada” Este increíble proyecto es obra del ingeniero estadounidense Mark Fischer  que en principo trabajaba para la marina de Estados Unidos creando softwares de sónares marinos  para uso militar pero cambió de profesión  (afortunadamente)  después de conocer de cerca  a un grupo de ballenas azules para un proyecto de trabajo…Fruto de sus investigaciones  con los  cantos de las ballenas  y LOS DELFINES, los convierte mediante un software matemático   en imágenes   en forma de sorprendentes mandalas y diseños fractales.

Mandala generado a partir de los cantos  de las ballenas

Más información en esta página web

3. “Seaquence”, música bacteriana

Seaquence  en realidad  es una  curiosa ( y adictiva)  aplicación online (www.seaquence.org/)   con la que componer música de una forma un tanto original y biológica:  mediante la creación de elementos bacterianos de colores  que al chocar e interactuar  entre ellos en una especie de placa redonda de microscopio,   generan ondas y  sonidos con los que componer música que podemos grabar, guardar  y compartir.

Se puede  agregar varias criaturas al “plato” haciendo clic en el botón “Añadir” en la parte superior derecha de la pantalla. La combinación  y movimientos de diferentes criaturas resulta en composiciones  musicales únicas que siempre cambian debido al movimiento aleatorio  de  estas criaturas bacterianas. Las composiciones se pueden guardar haciendo clic en “compartir”, que puede enviarse a otras personas lo que les permite escuchar lo que has hecho. Este vídeo de demostración  da una idea de cómo crear su propia composición “Seaquence”.  Os animo  a “seaquenciar”  y  compartir  vuestras creaciones.

Otra demo: