Y el barro se hizo carne, una clase de modelado

En clase de modelado

Más allá de reminiscencias bíblicas,  hacemos alusión con el título de este post a una tarea propuesta durante este trimestre en la asignatura de Volumen llamada así precisamente:  Y el barro se hizo carne.

Vía Agrega

El modelado  tal vez sea una de las  técnicas  escultóricas más ancestrales o primigenias que se conocen y por tanto,  tiene esas reminiscencias bíblicas y mitológicas (Adan y Eva en la tradición cristiana, el Pigmalion de los griegos o el Golem de la tradición judía, entre otras tantas).   Trabajar con la arcilla es trabajar con las manos, sensibilizar el tacto, manipular una materia prima, fresca, directamente extraída de la tierra. Se trata de hacer algo tú mismo/a con esa materia.  La podemos moldear, golpear, rasgar, estirar, atravesar y tantas acciones más. El tacto y contacto con la arcilla es terapéutico por lo que tiene de confrontación directa con la materia. Es relajante y  enseña a desarrollar el sentido de lo espacial y la plasticidad de la materia …

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A falta de clases presenciales con las que asesorar e instruir a nuestro alumnado de Volumen  a distancia,   disponemos de Internet  donde podemos encontrar una gran cantidad de  excelentes videotutoriales sobre  las técnicas de modelado, como éste que recomendamos desde la Despensa,  dividido en dos partes. Te explica desde cómo construir una  estructura o armazón de alambre hasta el proceso posterior de modelado y acabado  en barro de una pieza escultórica que ya conoce muy bien el alumnado de Volumen:  el David de Miguel Ángel.

Parte 1
Parte 2

Y para terminar,  otro magnífico videotutorial  del escultor  Philippe Faraut,   que es verlo y entrarte unas  ganas locas de ponerte a modelar una pella de barro.

Más info acerca de este escultor en su web  http://www.philippefaraut.com/

Otras pedagogías del dibujo: el método de Betty Edwards

Lo que en un principio planteamos en cursos anteriores como ejercicios voluntarios vinculados al tema Otras enseñanzas, otras pedagogías de la asignatura de Dibujo Artísticos I,  en  el presente lo hemos requerido en exclusiva en una tarea llamada Dibujando con el lado derecho del cerebro en alusión al famoso método dado a conocer en los primeros años 80 ( su primera edición inglesa data de 1979) por Betty Edwards a  través de su libro Aprender a dibujar con el lado  derecho del cerebro cuya metodología y enseñanza ha sido bien acogida en ámbitos artísticos y docentes

Portada de la edición española Ed. URANO

En esta ocasión pedíamos al alumnado una selección de  cuatro ejercicios inspirados en el manual de Betty Edwards:

  • Ejercicio 1: Dibujar sin mirar al papel formas libres o espontáneas

Ejercicio de Puri Rodriguez

  • Ejercicio 2: Dibujar tu mano sin mirar el papel
tarea betty Edwars

Ejercicio de Javier Varela

  • Ejercicio 3: Dibujar al revés una lámina o fotografía

Ejercicio de Javier Varela

  • Ejercicio 4: Dibujar los espacios negativos 
Sin título

Ejercicio de Ana Parra

Junto a estos  ejercicios se les pedía hacer una reflexión sobre su experiencia con cada uno de ellos, respondiendo a preguntas como:

¿Has conseguido respetar a rajatabla las instrucciones dadas o en algún momento has hecho “trampas”?

¿Qué sensaciones has sentido mientras realizabas cada ejercicio, cómo te has encontrado al realizarlos?

¿Qué has aprendido mediante estos ejercicios?

Es una tarea recién abierta en este trimestre  por lo que aún están trabajando sobre ella pero todas las valoraciones son enormemente positivas como las  de Bea Maldonado,

  “…he aprendido a mirar más allá del objeto “racional” que estoy viendo, a veces por formas o por el fondo se puede llegar al mismo objetivo. Estoy bastante satisfecha con el resultado general y me ha gustado mucho realizar esta tarea.”

las de  Ana Parra

“La verdad que esta tarea en general me ha resultado fácil, las dos primeras supongo que me llaman más la atención porque nunca las había hecho, pero me parece asombroso lo que es capaz de hacer el cerebro, dibujar sin ver, dibujar al revés o concentrarse en mirar y dibujar las partes negativas de una composición”

O, para concluir,  las de Eduardo González

“He podido soportar la tentación de mirar y hacer trampas porque,realmente quería experimentar de verdad estos ejercicios y, la verdad es que me llevo una sorpresa. He aprendido el concepto de dibujo sin basarlo todo en la vista, como habitualmente todo el mundo piensa y un ejemplo de ello es el ejercicio tres.Ahí no hay habilidad, sencillamente se basa en la línea, el garabato y la copia. Después, al dar la vuelta, se tratará de un dibujo sorprendente al alcance de cualquiera.”

Todos los ejercicios resultantes  se están recopilando actualmente en uno de los tableros de la asignatura en Pinterest. Y  sirva como botón de muestra dos presentaciones  realizadas  para esta tarea donde Puri y Javier,  como el resto de compañeros/as,  comentan  las impresiones que han tenido mientras realizaban la tarea y su satisfacción y aprendizaje  al término de la misma, una valiosa información que nos ayuda a entender la forma en que estas metodologías aportan nuevas ideas a la enseñanza tradicional de dibujo, en el sentido que lo entendemos aquí en La Despensa:  el dibujo como proceso mental más que como imitación fiel o fotográfica del motivo al servicio del encaje,  de las sombras o el claroscuro, que por desgracia, se sigue teniendo como parámetro en muchas pruebas selectivas . Ya lo decía el artista conceptual Bruce Nauman: “Dibujar es una forma de pensar”

 Más info:

 

Pixar, 25 años de animación

Vía Hoy es Arte

Acogida, con gran éxito, por primera vez en el MoMA de Nueva York, y tras una itinerancia internacional,  CaixaForum Madrid presentó en marzo la exposición ‘Pixar. 25 años de animación’.

En 1986, solo unos pocos expertos habían oído hablar de la animación por ordenador. Un cuarto de siglo después, Pixar es un símbolo del talento y la innovación en el cine de animación. Desde el estreno de Toy Story (1995), el primer largometraje creado en su totalidad con efectos de animación digitales, Pixar Animation Studios ha continuado produciendo películas de animación de gran éxito, tanto de taquilla como de crítica, atesorando 26 premios Oscar y 7 Globos de Oro.

La exposición presentará los largometrajes y cortometrajes que ha producido Pixar en sus 25 primeros años, y profundiza en sus personajes, las historias y los mundos que ha creado, elementos clave que John Lasseter, director creativo del estudio de animación estadounidense, considera necesarios para la realización de una buena película de animación.

Medios tradicionales y digitales

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Boceto  para Monstruos S.A

A través de este recorrido, los visitantes podrán descubrir el mágico mundo de los estudios Pixar a partir de dibujos, storyboards, maquetas e instalaciones digitales. Estas obras muestran la creatividad y el talento de los artistas, que en Pixar trabajan tanto con medios tradicionales –dibujo a mano, pintura, pasteles o escultura– como digitalmente.

El gran número de obras que crean estos equipos humanos para cada filme sale muy pocas veces del estudio, pero la película que, una vez terminada, da la vuelta al mundo no sería posible sin ellas.

En definitiva, una exposición interesante que no deberíamos perdernos cuando, con suerte y en algún momento,  tengamos ocasión de visitarla en nuestra ciudad.

Más Info en:

Documentales de la BBC sobre grandes artistas

Gracias a Internet podemos tener acceso a testimonios audiovisuales  de indudable valor artístico y documental como son las series que la prestigiosa cadena  británica BBC  dedicó a las vidas y obras de los  grandes artistas.  Traemos aquí ArtHistoryLuv un canal de Youtube especialmente interesante por la gran cantidad de material documental producido por la BBC a través de series como “Private Life of a Masterpiece”, “The Power of Art” o “Modern Masters” .  Eso sí, evidentemente en inglés.  Mostramos uno de ellos dedicado a la figura de Munch  y más abajo, una selección de otros tantos documentales  monográficos sobre artistas .

Selección de documentales (en inglés):

La Despensa en corto (II): “Break-Up” de Valérie Pirson

“Summer Evening” de E. Hopper

“Break-up”,  el corto  de animación de esta semana para La Despensa en Corto,  tiene un trasfondo artístico pues está inspirado en una de las más conocidas obras del pintor norteamericano Edward Hopper:  ‘Summer Evening’,  reproducida  arriba.  Está dirigido por Valérie Pirson   curtida como  cineasta, guionista y directora de fotografía,  entre otras ocupaciones cinematográficas.

Sinopsis: Una pareja, por la noche. Charlan en el balcón, iluminados por una luz cruda, agobiante, de la lámpara del techo. Él acaba de romper con ella. Ella acusa el golpe.  En su mente, se pone a recordar los momentos fuertes de la relación.

NOTA:  original en francés  con subtítulos en inglés.

‘The Break-Up’ based on Edward Hopper’s ‘Summer Evening’ by Valérie Pirson from Partizan on Vimeo.

 Y para cerrar el post, tal vez quienes visiten nuestra despensa quieran de paso saber algo más de este  artista inspirador del corto,  definido a veces como el  “pintor de los silencios”. Este documental, dividido en tres partes,   espero  que satisfaga  toda curiosidad, donde analiza pormenorizadamente  la vida y obra de Hopper y su enorme influencia en el cine y viceversa.

Parte 2  y  Parte 3

Foto-diálogos: la Narración Fotográfica como recurso educativo

imagen presentacion 1Fruto de nuestra colaboración  como Departamento de Dibujo con la revista digital Andalucía Educativa,  presentamos  nuestra segunda publicación tras la realizada durante el pasado curso  Del carboncillo al megapixel: retos de la educación artística  a distancia. Si en aquella ocasión trazamos una panorámica general de nuestra experiencia en el Bachillerato de Artes a Distancia, en esta ocasión nos centraremos en una experiencia concreta en la asignatura de Cultura Audiovisual: Los foto-diálogos: la narración fotográfica como recurso educativo, una interesante tarea colaborativa llevada a cabo  durante este pasado primer trimestre.

Y  a propósito de las fotografías como narraciones de vidas, nada mejor que cerrar el post con un precioso comercial de la conocida fabricante de cámaras Olympus: The PEN Story

La óptica, el conocimiento secreto de los artistas

En esta escena de la película “La joven de la perla” inspirada a su vez en la novela homónima de Tracy  Chevalier sobre el gran maestro flamenco Vermeer de Delft,  podemos ver cómo la sorprendida e incrédula sirvienta  (sí, interpretada por la inconfundible Scarlett Johansson) del pintor holandés mira una imagen  a través de un artilugio  que acaban de traer  a casa del pintor,  artilugio y efecto óptico totalmente desconocido y desconcertante para ella , como para gran parte de la gente de su época. La suerte de Vermeer fue tener como amigo a  un reconocido óptico holandés  que le construyó dicho artilugio para sus fines artísticos.

Ilustración de una cámara oscura para retratistas . Siglo XVIII

Ese artilugio se llama cámara oscura y no es ningún secreto,  por lo documentado del asunto,   que lo utilizara el mismo Vermeer o Canaletto en sus espectaculares vistas de Venecia,  como normalmente se cita como hecho consumado en los libros  y manuales de historia del arte,  sino que también  otros muchos artistas -que antes permanecían ajenos al tema-   parece ser que hicieron cierto uso de algunos artilugios ópticos como la cámara oscura o la cámara lúcida.

Canaletto: Basílica de los santos Giovanni e Paolo, en Venecia. Bocetos obtenidos mediante una cámara oscura | vía Wikipedia

De hecho, el fenómeno de la cámara oscura se conocía desde la Antigüedad,  siendo frecuentemente reproducido  en multitud de ilustraciones, grabados y tratados de óptica, como la muestra de más abajo donde se observa un dibujante trazando sobre la proyección de la pared unas marcas. Parece ser que este “secreto” pasó de  los Países Bajos a los artistas italianos de la mano de los viajes  de algunos artistas flamencos a Italia y luego posteriormente a España, Inglaterra y resto de Europa.  Existió una concatenación en el uso de la cámara, dada por la transmisión de pintor a pintor, de maestro a discípulo y de generación en generación. Era el “conocimiento secreto” de los artistas.

Grabado en sección sobre una cámara oscura

En efecto, muchos grandes e indiscutibles genios de la historia del arte como Leonardo da Vinci, Vermeer, Van Eyck,  Velázquez, Caravaggio  o más próximos en el tiempo como el mismísimo  pintor neoclásico  David,   utilizaban en mayor o menor medida  trucos ópticos para “fotografiar” escenas de la realidad.  Mismamente ,  en el inventario  de obras de la biblioteca de Velázquez no son pocos los tratados de Óptica  y amplios compendios sobre el uso de lentes y espejos, aparte de  la información  que se trajo de sus viajes a en Italia.   A este “conocimiento secreto”  se unieron igualmente un buen número de pintores tenebristas  de la escuela de Caravaggio o  especialistas del bodegón,   como el español  Luís Meléndez en cuyas naturaleza muertas naturalistas  podemos observar siempre un recurrente y denso  fondo negro a modo de pantalla  sobre el que emergen como iluminadas por un potente foco las  figuras representadas.

De otro modo, hubiera sido imposible un naturalismo y un uso de la luz y la perspectiva  tan perfecto. Esto,  evidentemente no quita mérito ni consideración  a estos grandes artistas,  sino más bien  todo lo contrario , en el sentido que supieron encontrar en la ciencia de la óptica  un gran y poderoso aliado, pues finalmente es la mano y el pincel diestro  del artista quien re-interpreta y da forma plástica a  meros y fugaces efectos físicos de luces y sombras.

Una de las muchas  imágenes de taller  reproducidas en “EL conocimiento secreto” de David  Hockney

Ver imagen más ampliada

Fue precisamente un pintor moderno como David Hockney quien tiempo atrás levantó ampollas en el mundo del arte con la publicación en 2001 de su documentada investigación sobre este asunto en su  trabajo  “El conocimiento secreto”. Gran parte de lo que allí expone y documenta , aparece  reflejado en el siguiente y exhaustivo documental de la BBC  sobre las largas y laboriosas  investigaciones llevadas a cabo por el pintor británico. Es bastante largo,  pero vale la pena  verlo  si de verdad te apasiona el mundo del arte o resulta prohibitivo  adquirir dicho libro,  ciertamente caro por lo profusamente ilustrado y voluminoso del ejemplar,  pero una joya  de arte que rentabiliza con creces su desembolso.

La evolución del realismo en la representación artística ha ido parejo a la propia evolución de la ciencia, especialmente en el perfeccionamiento  de  las lentes y la Óptica,  que en el transcurso del siglo XV  experimentó enormes progresos gracias a otras ciencias como la Astronomía (los telescopios) o  en el campo de la Medicina y la Biología , los microscopios.

Con  la invención  a mediados del siglo XIX  de la fotografía (una feliz confluencia de los avances  de la Óptica, la Física  y la Química),  la representación  artística sufre otra gran vuelta de tuerca y precisamente, en sentido contrario:  una huida del realismo y la imagen retiniana hacia otros modos de ver  y representar la realidad que desembocarían en el Cubismo, la Abstracción y otros movimientos artísticos de las vanguardias de principios del siglo XX,  pero ésta es ya otra historia …

Si sigues con curiosidad sobre este apasionante tema,  tampoco puedes perderte este interesante  especial de REDES , “Las reglas ocultas del arte”