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La mujer en el arte y la publicidad

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Hoy es 8 de marzo , Día Internacional de la Mujer  según el calendario de efemérides con los que continuamente nos bombardean los medios de comunicación mediante distintos actos y  eventos. Independientemente de la afinidad que se tenga en esta despensa por estas actos  puntuales e institucionalizados,   en todo caso es  una buena excusa para reflexionar ( o volver a hacerlo una y otra vez y año tras año,  por desgracia)   sobre  el desigual, injusto y  asimétrico papel  de la mujer en la historia, la ciencia, la literatura,  el deporte  y por supuesto, en el campo de las artes plásticas y visuales, entre otros muchos campos  profesionales y sociales.  Ya lo hicimos para concienciar  nuestro alumnado cuando estudiamos -por ejemplo en Cultura Audiovisual-  los estereotipos publicitarios y especialmente  a través de El cuerpo como territorio  uno de los temas incluidos en  la asignatura de Dibujo Artístico II dentro del contexto más  general del estudio y representación  de la figura humana en el arte. Lo que sigue son,  mayoritariamente,  imágenes, citas y textos extraídos de dicho tema.

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Persistencia de la  “mirada” masculina de la mujer a través del arte y la publicidad

La  cuestión del género puede abordarse desde dos puntos de vista interrelacionados: el de la acción y el de la representación.  La acción se refiere al desigual número de  hombres o mujeres que se dedican profesionalmente al arte en sus distintas facetas (artistas, galeristas, gestión de museos, etc.) y la representación hace referencia a la imagen que uno y otro sexo da del otro. En este último campo, el de la representación, no deja de ser curioso que la mayor parte de las representaciones femeninas provengan del otro sexo, del masculino.   El combativo colectivo neoyorquino Guerrilla Girls lo evidenciaba así hace ya algunas décadas con un llamativo cartel que rezaba

¿Tienen las mujeres que estar desnudas para entrar en los museos americanos? Menos del 3 % de los artistas en el Metropolitan Museum son mujeres, pero un 83 % de los desnudos son femeninos

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En todo caso hay una evidencia y es que  han sido  pocas las mujeres que,  a lo largo de la historia,  se hayan podido dedicar profesionalmente al arte,  para así dar una visión más objetiva y menos estereotipada de su cuerpo y de  propia feminidad y si las hubo, hasta muy recientemente no se les ha adjudicado el lugar que les correspondía en la Historia y en los libros de Arte. Nombres como Artemisia  Gentileschi, Tamara de Lempicka o Frida Kahlo afortunadamente hoy son consideradas grandes artistas a las que se les dedican exposiciones y retrospectivas,  aunque en algunos casos como el de Frida, llegan a ser más conocidas popularmente por sus atormentadas obras y biografías (llevadas al cine en muchos casos)  que por la relevancia   artística  de sus propias obras.

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Frida Kahlo, en su taller  ante su lienzo “Las dos Fridas”

En la actualidad esta balanza se equilibra un poco,  aunque no lo suficiente. Podemos  encontrar en el panorama nacional e internacional un importante elenco de mujeres artistas que han conseguido, a través de su trabajo y calidad,   abrirse hueco en un mundo aún predominantemente masculino ( especialmente en el campo del mercado del arte o el coleccionismo)  siendo cada vez más relevante su presencia en museos, galerías de arte  y grandes exposiciones, esta vez como activas productoras y no como meras representaciones.   También  han sido muchos los estudios  y ensayos, que desde una perspectiva crítica y feminista,   cuestionan muchas de las representaciones de la mujer en el arte y  reivindican  el papel activo de éstas  como artistas en distintas épocas.

El vídeo  con tecnología morphing  que cierra el post , aunque hermoso,  viene a evidenciar lo que dijimos al principio:  la gran mayoría de las más conocidas  representaciones femeninas en el arte  ( rostros y retratos en este caso)  son obra de artistas masculinos.  500 años de retratos femeninos…

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Animación en homenaje a los modelos del natural y algunas prácticas online

El dibujo del natural con modelos profesionales  es un clásico en el aprendizaje artístico en la mayoría de las escuelas de arte.  Esta joya de animación  de   Taha Neyestani  es un tributo a sus maestros de dibujo  y a  dichos modelos.  Además,  nos muestra de pasada  muchas cosas interesantes:  el ambiente en las escuelas de arte, el  cómo preparar el papel, el cómo coger el lápiz,  el cómo captar el movimiento con rápidos trazos,  el  cómo interpretar o recrear  los modelos y las poses…Esperamos  que os guste.

Y si no tienes ocasión de ir a una escuela de arte y de disponer de  modelos reales  del natural,  puedes retarte desde casa  mediante los “digitales” con  la web  Figure & Gesture Drawing  de la que ya hablamos en esta despensa  en el post  Modelos Virtuales para Dibujo Artístico   donde te ofrecen   unas secuencias de modelos fotográficos masculinos y femeninos  en distintas poses  (vestidos y desnudos)  que debes dibujar en trazos rápidos y   en tiempos definidos que tú eliges   (desde unos  pocos segundos hasta 2 minutos) .

Apunte rápido de 2 minutos, anímate a hacer los tuyos…

Estos vídeos muestran algunos ejemplos y formas de utilizar este  interesante recurso online, ideal para practicar el dibujo y la figura humana.

Los inventos de Leonardo Da Vinci llegan a Sevilla

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Como no podía ser de otra forma en esta Despensa, nos complace enormemente reseñar esta siempre interesante exposición sobre el genio universal de Leonardo da Vinci.

El Museo Casa de la Ciencia de Sevilla, del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC),  abre  al público una nueva exposición temporal, “Los inventos de Leonardo da Vinci”, donde a través de maquetas a escala, módulos y paneles se mostrarán las más importantes creaciones del genio del Renacimiento por excelencia. Reproducciones de alta calidad de máquinas y artilugios como el helicóptero, el paracaídas, la grúa de pluma, el carro de combate, el puente giratorio, la draga, el anemómetro e incluso la bicicleta se podrán ver en esta muestra hasta el 20 de julio.

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Asimismo, el público de todas las edades podrá realizar los sábados, a las 13 horas, la visita-taller complementaria  “Leonardo: el vuelo de la mente”, donde a través de un relato se presentará a Da Vinci contextualizado en la época que vivió. Se llevarán a cabo juegos para que los más pequeños, convertidos por un momento en auténticos niños del Renacimiento, entiendan el funcionamiento de los objetos que inventó y que están reconstruidos en las maquetas de la exposición.

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Ya de paso,  dejo  un  recurso didáctico  más:    Universal Leonardo  una curiosa web  (en inglés)  donde, entre otros muchos recursos,  hay una pestaña de juegos  Play  donde  se puede aprender jugando  a través del ingenio  de este gran creador, como por ejemplo con Make a Monster,  donde se pueden “inventar” animales fabulosos  a través de los dibujos de animales  de Leonardo.  Este juego está inspirado en  la afición taxidermista de Leonardo que  dejaba boquiabiertos a los comensales de los festejos que organizaba para sus distintos mecenas,  presentando  animales embalsamados   con distintas partes de  varias especies para que parecieran animales fantásticos. Hay también un test interactivo  sobre su famosa Gioconda o probar a escribir con la letra invertida  como hacía Leonardo en sus manuscritos y cuadernos.  En fin , hay  más de 12 actividades lúdicas …

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O también pasar un buen rato viendo algunas de las divertidas versiones  que se han hecho sobre su famoso dibujo “El hombre de Vitrubio” en la siguiente presentación. Clicar en la imagen:

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Y  para quienes sientan curiosidad por  husmear entre sus notas y  manuscritos, recientemente   la Brithish Library  ha digitalizado algunos de sus cuadernos y son de dominio público además. Enlace aquí.

Mas info sobre la exposición (horarios, ubicación, visitas, etc.)   en  la web  de La Casa de la Ciencia  o en https://fundaciondescubre.es/blog/2016/01/21/los-inventos-de-leonardo-da-vinci-llegan-a-sevilla/

La mano con lápiz. Dibujos del siglo XX

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Dibujo de Rodin.  Mina de plomo y acuarela

Lamentamos que esta reseña expositiva  ya llegue tarde, pero de todas formas puede interesar  si dicha muestra viaja a otras ciudades o  provincias.  El pasado día 17 concluyó  en el Museo de Bellas Artes de Sevilla una pequeña pero bellísima exposición de dibujos : “La mano con lápiz. DIBUJOS DEL SIGLO XX. COLECCIONES FUNDACIÓN MAPFRE”.

galeria-interior_tcm164-140576Imagen vía  Fundación Mapfre

La muestra exponía  59 obras de varios de los mas importantes españoles e internacionales.  En ella encontramos dibujos de muchos de los grandes artistas del siglo XX:  Klee, Matisse, Egon Schiele,  Degás, Rodin ( en la foto), Picasso, Klimt,  Juan Gris y un largo etcétera de grandes nombres   que van  desde principios del siglo XX  con los post-impresionistas   hasta las primeras vanguardias y el surrealismo.

La muestra tiene el interés añadido de mostrar dibujos, disciplina que hasta fechas recientes ha recibido una atención menor respecto a la pintura, siendo como es la base en muchos casos de creaciones más ambiciosas, pero que hay valorar y reivindicar, sin embargo, por sí misma algo que va a reivindicar la modernidad, a diferencia de lo que venía sucediendo en la tradición artística.

Para quienes se la perdieron y aunque no es ni parecido , esta misma fundación nos obsequia con una visita virtual a la exposición  o leer la reseña que tiene la Fundación Mapfre en su web.

Haciendo audioguías para un museo

Fotografía de iedaprofesores  en Flickr bajo CC

Reabrimos esta  despensa tras el  breve parón navideño con otra de las experiencias de trabajos de aula  que recogimos tiempo atrás  a través de  la propuesta lúdica de un  peculiar  “Viaje underground”   a través de la arte .  En dicho “viaje”  una de las  paradas    se refería a la actividad propuesta como tarea individual   “Mis audio-guías didácticas para un museo”  a nuestro alumnado de Dibujo Artístico I durante el tercer trimestre en relación a la unida didáctica Ver, comprender y disfrutar el arte”.

En dicha tarea enfrentábamos al alumnado al reto de elaborar  dos audio-guías  sobre obras de arte  como encargo para un imaginario  museo:  una destinada para  un público adulto y otra  y para un público  más infantil . Decir que, efectivamente,   era un gran reto someter al alumnado al “suplicio” de grabar  y modular su propia voz , por lo que a veces  reconocieron  que  no se sintieron a gusto al principio con esta tarea,  aunque finalmente disfrutaron con su realización y aprendieron muchísimo de las obras  elegidas y de las muchas formas de disfrutar del arte. Lo que sigue es una selección de tres tareas con  dichas audio-guías y las  respectivas valoraciones personales  de esta experiencia por sus autores/as.

Audioguías de Manuel Pérez Durán:

“El Nacimiento de Venus”  de Sandro Boticelli (audio-guía para adultos)

           Audioguia El Nacimiento de Venus. Boticelli on Vimeo.

“Las Señoritas de Avignon” de Pablo Picasso  (audio-guía para niños) https://vimeo.com/66024648

Audioguía Las Señoritas de Avignon. Picasso  on Vimeo.

Para realizar esta tarea, he elegido la opción del vídeo, como podrás ver, he realizado un montaje donde la imagen va relacionada con la locución, realzando las partes del cuadro cuando el audio habla sobre esa parte. Como podrás ver, el audio es bastante malo, en un descuido, mientras preparaba todo para hacer la grabación, mi hija de 2 añitos cogió el micro y lo dejó caer al suelo. Me ha encantado esta tarea, he descubierto cosas de estas obras de arte de las que no tenía ni idea. Lo que más me ha llamado la atención es que el modelo en el que se inspiró Botticelli para pintar la Venus, fuera familia política de Americo Vespucio.

Audio-guías de Bea Maldonado

“La habitación de Arlés” de Vincent Van Gogh (audio-guía para niños)

“La masía” de Joan Miró (audio-guía para adultos)

Me ha gustado mucho realizar esta tarea, me ha parecido muy interesante buscar información sobre un cuadro y hacer un análisis, me parece una profesión muy bonita la de los guías de los museos. Quizás lo que me ha resultado difícil ha sido resumir y tener que dejar cosas en el tintero ya que encontraba muchos detalles interesantes, sobre todo me ha gustado mucho el “alma” de Van Gogh en La habitación de Arlés.  Me ha resultado fácil utilizarla grabadora (aunque tiene una calidad pésima) y el movie maker que ya lo había utilizado antes con el cortometraje,  lo engorroso del movie maker es que no se pueden insertar dos sonidos, pero he guardado y he añadido después el siguiente sonido. He quedado bastante satisfecha con el resultado y he disfrutado mucho con la tarea.

Audio-guías de Eduardo

“La Balsa de la Medusa” de T. Gericault (audio-guía para adultos)

He elegido “La balsa de medusa” dirigida al público adulto, aunque en realidad creo que ambas tienen el mismo nivel de lenguaje, he tratado de evitar algún que otro tecnicismo.

“La habitación de Arlés” de Vincent Van Gogh (audio-guía para niños)

La otra que he elegido ha sido “La habitación de Arlés”, ya que nunca había indagado en esa obra que siempre había mirado receloso, ahora me gusta más que cuando la veía “a ciegas”.

He dedicado bastante tiempo a la tarea, he estado toda la tarde “cociéndola” y teniendo alguna que otra dificultad con las grabaciones (que mi madre canta, que mi padre grita, que la perra ladra, que la moto suena… exasperante). En general estoy bastante contento con la tarea, quitando que tal vez no se aprecie el cambio de público en las audioguías.

Creo que esto de documentarse sobre las obras es algo que debería hacer con más frecuencia, no solo para conocer el artista y la obra, sino para conocer muchos recursos en común con otros artistas, y saber encontrar similitudes técnicas.

Dibujar y hacer garabatos para el desarrollo de la creatividad

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Todo lo que se aprende de una forma mecánica se olvida, pero lo que se aprende con significado permite una mejor comprensión del contenido y por tanto permanecerá en la mente. Una forma de dar significado de lo aprendido es haciendo garabatos, te permitirán que la creatividad fluya de manera espontánea.

Hoy traemos un pequeño artículo pero muy interesante ,  algo más que añadir a nuestro ya amplio  argumentario de razones en defensa de las enseñanzas artísticas y de cómo éstas pueden servir para mejorar las destrezas y habilidades  creativas también en otras materias del currículum.
Leer el artículo  La importancia de hacer garabatos  para la creatividad.

Al hilo de este artículo y en nuestro contexto de enseñanzas,  siempre insistimos al alumnado  del Bachillerato de Artes sobre la importancia del proceso creativo que conduce a la génesis de una idea,  de un diseño,  de un proyecto., sea éste una ilustración , una escultura o un proyecto de animación.  Los bocetos, los ensayos,  los storyboards   y los garabatos,  son una pieza fundamental en el engranaje creativo.   Como botón de muestra, algunos ejemplos  de nuestro  alumnado en distintas materias . No importa que dichos  bocetos y apuntes  no tengan gran calidad gráfica ni artística  pero sí que abran el camino  y  definan  esa idea que se tiene en mente…

Para la tarea Modelado 3D de un personaje animado en  la asignatura de  Volumen , era  fundamental  previamente  buscar la inspiración mediante los bocetos, investigar, garabatear…De aquí, por ejemplo,  tras otros intentos, borrones  y descartes,  surge la idea de Mercedes  para desarrollar posteriormente  su  personaje  en  3D con  el programa  Sculptris tras dibujar en su cuaderno unos bocetos  mientras está viendo por televisión un documental sobre Grecia:
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Para la tarea “Aprendiendo de Escher”  el garabatear es una forma de experimentar. Manuel Angulo ,  por ejemplo,  no hubiera llegado a esta  excelente solución si antes no hubiese estado indagando, dibujando, tomando notas  y garabateando en  varias  hojas de su bloc de dibujo hasta que la idea apareció clara y nítida ante sus ojos y se puso a desarrollarla.

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En la tarea  de  Cultura Audiovisual   “Mi fotorrelato en digital”  un buen storyboard  ayuda tanto a  imaginar y  definir el proyecto audiovisual como a marcar las pautas de trabajo posterior. El storyboard es una especie de “planning gráfico “ o  cómic esbozado de los principales planos  y escenas que va a contener un proyecto audiovisual. Muchos cineastas elaboran sus propios storyboards. Algunos,   como  el ejemplo que se muestra, son simples garabatos y otros, más sofisticados,   de factura  casi  de  cómics.

Storyboard básico

Son muchísimos los ejemplos que podríamos poner . En definitiva y como bien se expone en el artículo que reseñamos,   hay que recordar que

…el garabato es una herramienta en una página en blanco, un campo de juego donde se expande el cerebro y que nos ayuda a dar ideas nuevas. Cuando nos ponemos a garabatear la intención no es hacer un gran dibujo, es dejar que nuestro cerebro se expanda y se libere, por lo tanto, aunque consideres que no sabes dibujar o que tus dibujos no te gustan, anímate a hacer garabatos en relación a la información que en ese momento estas recibiendo. Piensa que un garabato es un diálogo entre la mente y la mano que sostiene un lápiz, y que tus ojos son los que perciben lo que marcas en el papel.

¿Qué haces cuando te aburres? Si tienes papel y lápiz, tal vez dibujes garabatos o lo primero que se te ocurre. Este acto espontáneo no sólo acaba con tu aburrimiento, sino que mejora tu inteligencia.

Dibujando con perspectiva

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Dibujo analítico  inspirado en la Escuela de Basilea

Cuando realizamos prácticas o dibujos  del natural  de objetos cotidianos ( como en  bodegones o naturalezas muertas)  donde  frecuentemente debemos  dibujar en perspectiva y encajar algunos elementos   con formas  circulares o cilíndricas   (como  platos, cuencos, vasijas, copas, vasos, botellas, etc. )  es fácil encontrarse con el problema   de dibujar correctamente dichas formas  y especialmente,  las circulares que debemos dibujar  como  una especie de elipses a mano alzada .

No se pretende que el estudiante de arte de bachillerato   siga  a rajatabla estos métodos de encaje,  digamos,  “tradicionales”,  pero sí que los tenga en cuentan   de forma intuitiva en cierta manera para saber aplicarlos a sus dibujos, cómics o ilustraciones  cuando lo necesite.  Artistas como  Guillermo Pérez-Villalta  (Tarifa-Cádiz, 1948)  hacían un uso muy creativo   de la perspectiva en muchas de sus primeras obras.

“Personajes a la salida de un concierto rock” (1979) Guillermo Pérez Villalta

Ocurre  que muchas veces una errónea interpretación de la perspectiva del modelo puede arruinar un dibujo,  por muy bien compuesto o valorado tonalmente que esté.  La perspectiva no siempre será necesaria para que un dibujo sea bueno o no,  pero  no está de más familiarizarse con ella para más adelante, utilizarla  creativamente  a nuestro antojo,  en especial   para aprender a encajar los objetos en formas geométricas  básicas  que nos ayuden a entender su forma y volumen .

Dibujo instintivo de estudiante, con errores  compositivos de encaje y perspectiva

Con frecuencia, cuando trabajamos estos temas  como en la tarea Lo primero: el encaje y la composición   citamos  a la Escuela de Artes Aplicadas  de  Basilea  y  cuando les hablamos  a los/las  estudiantes de las distintas metodologías de  enseñanza del dibujo y en especial del dibujo analítico y del estudio de la forma . De hecho en 1º Bachillerato  le hemos  dedicado el tema  Otras enseñanzas, otras pedagogías a dichas metodologías, entre ellas  a  la  Escuela de Artes Aplicadas de Basilea de Suiza, un centro de referencia a comienzos de los años 60 y gran parte de los 70 del pasado siglo, cuyo enfoque metodológico aborda la enseñanza artística desde distintos aspectos orientados a las artes aplicadas y  al diseño a través del dibujo del natural,  la perspectiva, la tipografía, el estudio de materiales, el diseño textil,  el  color o ejercicios bi y tri-dimensionales de experimentación espacial.

Encaje de formas, Escuela de Basilea

Dibujos y estudios de formas de la Escuela de Basilea

De sus aulas han salido los diseños de algunas conocidas fuentes tipográficas de amplio uso hoy día   (la helvética por ejemplo) y muchos ejemplos del funcional y reconocido diseño suizo. En sus cursos se pretendía construir una base sólida para el posterior desarrollo profesional de su alumnado  en el campo, aún en sus albores,  del diseño gráfico por medio del ejercicio metódico y constante, sensibilizando la visión y buscando el enriquecimiento del sentido de la forma,  el ritmo o la abstracción. La siguiente presentación la hemos usado  freecuentemente  de ejemplo en nuestras tareas.

Y aún hoy, en ciertos manuales para aprender a dibujar y en muchas Escuelas de Artes y estudios técnicos superiores se siguen  reconociendo y poniendo en práctica muchos de sus  métodos y planteamientos.

Y volviendo al tema de  la perspectiva de elipses , en este vídeo se explica   cómo dibujar elipses a mano alzada mediante unos  sencillos ejercicios, que recomendamos practicar como entrenamiento.

De una forma un poco más “técnica”  y metódica  también puede servir  el siguiente videotutorial.